"Mi música es un reflejo de mis sueños. Trato de interpretar en mi música las visiones de una luz inmensa y de un increíble esplendor de colores que veo en todos mis sueños, un juego de luces y colores flotando en la habitación y al mismo tiempo formando una escultura sonora fluida. Su belleza es muy abstracta y remota, pero es por esas mismas cualidades que aborda las emociones y puede comunicar alegría y calidez". Son palabras de la compositora que protagoniza esta edición de Ars Sonora, la surcoreana Unsuk Chin, nacida en Seúl en 1961. Chin comenzó sus estudios musicales en su ciudad natal con Sukhi Kang, quien le introdujo en la vanguardia occidental de posguerra, antes de emprender estudios de composición con György Ligeti en Hamburgo en 1985. Trabaja regularmente con los más renombrados conjuntos de música contemporánea, y ha contado con el apoyo y el estímulo de directores como Kent Nagano, George Benjamin y Simon Rattle, entre otros. Comenzamos escuchando "Spectres-Spéculaires", para violín (interpretado por George Van Dam en la versión que aquí ofrecemos) y sonidos electrónicos (que fueron desarrollados en el estudio de música electrónica de la WDR de Colonia). Presentamos la grabación correspondiente al estreno de la obra, que tuvo lugar el 5 de mayo del 2000 en el contexto de los Wittener Tage für neue Kammermusik. Complementamos esa audición con el registro de otro estreno, el de "Xi", una pieza para conjunto instrumental y electrónica que fue presentada por primera vez en la interpretación del Ensemble Intercontemporain, bajo la dirección David Robertson, el 24 de febrero de 1999 en la Ciudad de la Música de París. El título de la obra evoca, en el idioma coreano, la idea de metamorfosis, y su estructura se desarrolla orgánicamente a partir de un conjunto de células musicales en forma de un único y vasto arco. En el transcurso de las cinco secciones de la composición se van añadiendo cada vez más sonidos hasta alcanzar el total cromático en la cuarta parte. La sección final, parecida a una repetición, subraya el carácter orgánico de la pieza en su conjunto. Escuchar audio

"Mi música es un reflejo de mis sueños. Trato de interpretar en mi música las visiones de una luz inmensa y de un increíble esplendor de colores que veo en todos mis sueños, un juego de luces y colores flotando en la habitación y al mismo tiempo formando una escultura sonora fluida. Su belleza es muy abstracta y remota, pero es por esas mismas cualidades que aborda las emociones y puede comunicar alegría y calidez". Son palabras de la compositora que protagoniza esta edición de Ars Sonora, la surcoreana Unsuk Chin, nacida en Seúl en 1961. Chin comenzó sus estudios musicales en su ciudad natal con Sukhi Kang, quien le introdujo en la vanguardia occidental de posguerra, antes de emprender estudios de composición con György Ligeti en Hamburgo en 1985. Trabaja regularmente con los más renombrados conjuntos de música contemporánea, y ha contado con el apoyo y el estímulo de directores como Kent Nagano, George Benjamin y Simon Rattle, entre otros. Comenzamos escuchando "Spectres-Spéculaires", para violín (interpretado por George Van Dam en la versión que aquí ofrecemos) y sonidos electrónicos (que fueron desarrollados en el estudio de música electrónica de la WDR de Colonia). Presentamos la grabación correspondiente al estreno de la obra, que tuvo lugar el 5 de mayo del 2000 en el contexto de los Wittener Tage für neue Kammermusik. Complementamos esa audición con el registro de otro estreno, el de "Xi", una pieza para conjunto instrumental y electrónica que fue presentada por primera vez en la interpretación del Ensemble Intercontemporain, bajo la dirección David Robertson, el 24 de febrero de 1999 en la Ciudad de la Música de París. El título de la obra evoca, en el idioma coreano, la idea de metamorfosis, y su estructura se desarrolla orgánicamente a partir de un conjunto de células musicales en forma de un único y vasto arco. En el transcurso de las cinco secciones de la composición se van añadiendo cada vez más sonidos hasta alcanzar el total cromático en la cuarta parte. La sección final, parecida a una repetición, subraya el carácter orgánico de la pieza en su conjunto. <a href="https://www.rtve.es/play/audios/ars-sonora/unsuk-chin-01-04-23/6848740/" rel="nofollow" target="_blank">Escuchar audio</a>

Ars Sonora - Unsuk Chin - 01/04/23

"Podría ser la piedra filosofal que busca el narrador de la obra radiofónica. Pero la posibilidad de que esta piedra misteriosa pueda reducirse a este término tan conocido es demasiado obvia. Lo único cierto es que la búsqueda de la piedra por parte del anciano le ha ocupado, deleitado y preocupado toda su vida. Con la vejez ha llegado incluso a intensificar sus investigaciones. Ha viajado sin descanso por las metrópolis europeas. Berlín, París, Londres, Viena, Roma y Lisboa son las estaciones de su búsqueda, probablemente inútil. Parece como si sólo pudiera encontrar la piedra si tropezara con ella en un lugar inesperado, y sin embargo aún le impulsa la engañosa esperanza de que los movimientos de la piedra sean finalmente predecibles […]".  Con estas palabras se presenta la extensa obra radiofónica titulada "Der Stein" (“La piedra”), fechada en 1991, y cuyo autor es el compositor y artista sonoro berlinés Martin Daske, nacido en 1962. El actor y director de cine Bernhard Wicki (nacido en St. Pölten —Austria— en 1919 y fallecido en Múnich —Alemania— en el año 2000) desempeña el papel de narrador principal, y su voz se acompaña de una polifonía de paisajes sonoros y un reparto políglota formado por Erwin Schastok, Brita Sommer, Anna Carewe, Marc Altmann, Elisabetta Niccolini, Ortwin Speer, Roberto Cornea de Costa y Gerhard König. El montaje y la mezcla de la obra se realizaron en el ZKM (Zentrum für Kunst und Medien / Centro de Arte y Medios de Comunicación) de Karlsruhe —Alemania—. Escuchar audio

"Podría ser la piedra filosofal que busca el narrador de la obra radiofónica. Pero la posibilidad de que esta piedra misteriosa pueda reducirse a este término tan conocido es demasiado obvia. Lo único cierto es que la búsqueda de la piedra por parte del anciano le ha ocupado, deleitado y preocupado toda su vida. Con la vejez ha llegado incluso a intensificar sus investigaciones. Ha viajado sin descanso por las metrópolis europeas. Berlín, París, Londres, Viena, Roma y Lisboa son las estaciones de su búsqueda, probablemente inútil. Parece como si sólo pudiera encontrar la piedra si tropezara con ella en un lugar inesperado, y sin embargo aún le impulsa la engañosa esperanza de que los movimientos de la piedra sean finalmente predecibles […]". Con estas palabras se presenta la extensa obra radiofónica titulada "Der Stein" (“La piedra”), fechada en 1991, y cuyo autor es el compositor y artista sonoro berlinés Martin Daske, nacido en 1962. El actor y director de cine Bernhard Wicki (nacido en St. Pölten —Austria— en 1919 y fallecido en Múnich —Alemania— en el año 2000) desempeña el papel de narrador principal, y su voz se acompaña de una polifonía de paisajes sonoros y un reparto políglota formado por Erwin Schastok, Brita Sommer, Anna Carewe, Marc Altmann, Elisabetta Niccolini, Ortwin Speer, Roberto Cornea de Costa y Gerhard König. El montaje y la mezcla de la obra se realizaron en el ZKM (Zentrum für Kunst und Medien / Centro de Arte y Medios de Comunicación) de Karlsruhe —Alemania—. <a href="https://www.rtve.es/play/audios/ars-sonora/ars-sonora-der-stein-martin-daske-25-03-23/6842525/" rel="nofollow" target="_blank">Escuchar audio</a>

Ars Sonora - "Der Stein", de Martin Daske - 25/03/23

La compositora estadounidense Lucia Dlugoszewski protagoniza esta edición de Ars Sonora. Nacida en Detroit en una fecha que varía según las fuentes (1925, 1931 o 1934), falleció en Nueva York en el año 2000, y ya desde mediados del pasado siglo destacó como una figura muy influyente en la escena alternativa de esta ciudad, protagonizando actuaciones en lofts, happenings y muestras diversas relacionadas con la experimentación sonora. Solamente durante la década de 1950 Dlugoszewski diseñó más de cien instrumentos de percusión diferentes para sus actuaciones. En esa misma línea, el "piano tímbrico" —una invención relativamente cercana al piano preparado propuesto por John Cage— también constituye una de sus más destacadas aportaciones.  En este programa monográfico escuchamos diferentes trabajos de una autora que recibió lecciones de piano de Grete Sultan, estudió análisis con Felix Salzer y composición con Edgard Varèse. Comenzamos con un extracto de "Duende Quidditas", para trombón y piano tímbrico, instrumento que ella misma interpreta en esta versión, acompañada por el trombonista David Taylor.  En 1977 Dlugoszewski fue la primera mujer que recibió el premio internacional de grabación Koussevitzky, con la obra "Fire Fragile Flight", escrita para diecisiete instrumentos. Escuchamos este trabajo en la interpretación de la Orchestra of Our Time, dirigida por Joel Thome. Presentamos a continuación "Angels of the Inmost Heaven", para quinteto de metales, que nos llega en la versión de Mark Gould y Louis Ranger (trompetas), Per Brevig y —de nuevo— David Taylor (trombones), así como Martin Smith (trompa), todos ellos dirigidos por Gerard Schwarz.  Schwarz es también director de la versión de "Tender Theater Flight Nageire" con la que concluimos este monográfico, y que incluye a Edward Carroll y Norman Smith en las trompetas, a Robert Routch en la trompa, a David Langlitz en el trombón tenor, a David Taylor —una vez más— en el trombón bajo, y a la propia Lucia Dlugoszewski como responsable de la percusión —que desempeña un papel fundamental en la obra—. Ella escribió las siguientes palabras sobre esta pieza, estrenada en su versión definitiva en 1978:  "La primera preocupación de toda música, de un modo u otro, es romper la indiferencia de la escucha, la dureza de nuestra sensibilidad, crear ese momento de disolución que llamamos poesía. Nuestra rigidez desaparece cuando renacemos, en cierto sentido, al oír por primera vez. 'Tender Theater Flight Nageire' es en realidad una serie de rituales musicales vinculados a las raíces poéticas de la experiencia erótica". Escuchar audio

La compositora estadounidense Lucia Dlugoszewski protagoniza esta edición de Ars Sonora. Nacida en Detroit en una fecha que varía según las fuentes (1925, 1931 o 1934), falleció en Nueva York en el año 2000, y ya desde mediados del pasado siglo destacó como una figura muy influyente en la escena alternativa de esta ciudad, protagonizando actuaciones en lofts, happenings y muestras diversas relacionadas con la experimentación sonora. Solamente durante la década de 1950 Dlugoszewski diseñó más de cien instrumentos de percusión diferentes para sus actuaciones. En esa misma línea, el "piano tímbrico" —una invención relativamente cercana al piano preparado propuesto por John Cage— también constituye una de sus más destacadas aportaciones. En este programa monográfico escuchamos diferentes trabajos de una autora que recibió lecciones de piano de Grete Sultan, estudió análisis con Felix Salzer y composición con Edgard Varèse. Comenzamos con un extracto de "Duende Quidditas", para trombón y piano tímbrico, instrumento que ella misma interpreta en esta versión, acompañada por el trombonista David Taylor. En 1977 Dlugoszewski fue la primera mujer que recibió el premio internacional de grabación Koussevitzky, con la obra "Fire Fragile Flight", escrita para diecisiete instrumentos. Escuchamos este trabajo en la interpretación de la Orchestra of Our Time, dirigida por Joel Thome. Presentamos a continuación "Angels of the Inmost Heaven", para quinteto de metales, que nos llega en la versión de Mark Gould y Louis Ranger (trompetas), Per Brevig y —de nuevo— David Taylor (trombones), así como Martin Smith (trompa), todos ellos dirigidos por Gerard Schwarz. Schwarz es también director de la versión de "Tender Theater Flight Nageire" con la que concluimos este monográfico, y que incluye a Edward Carroll y Norman Smith en las trompetas, a Robert Routch en la trompa, a David Langlitz en el trombón tenor, a David Taylor —una vez más— en el trombón bajo, y a la propia Lucia Dlugoszewski como responsable de la percusión —que desempeña un papel fundamental en la obra—. Ella escribió las siguientes palabras sobre esta pieza, estrenada en su versión definitiva en 1978: "La primera preocupación de toda música, de un modo u otro, es romper la indiferencia de la escucha, la dureza de nuestra sensibilidad, crear ese momento de disolución que llamamos poesía. Nuestra rigidez desaparece cuando renacemos, en cierto sentido, al oír por primera vez. 'Tender Theater Flight Nageire' es en realidad una serie de rituales musicales vinculados a las raíces poéticas de la experiencia erótica". <a href="https://www.rtve.es/play/audios/ars-sonora/lucia-dlugoszewski-18-03-23/6837226/" rel="nofollow" target="_blank">Escuchar audio</a>

Ars sonora - Lucia Dlugoszewski - 18/03/23

Culminamos nuestra exploración radiofónica de diferentes aproximaciones al piano preparado. En el último programa de este ciclo de cinco emisiones tanteamos nuevas aproximaciones a ese concepto, que en todo caso siempre se basan en la transformación tímbrica y expresiva del llamado "instrumento rey".  La dimensión percusiva del piano es uno de los rasgos de las "Tres danzas para dos pianos preparados", del pianista y teclista suizo Patrick Moraz (1948), especialmente conocido por haber formado parte del grupo de rock sinfónico Yes desde 1974 hasta 1976, así como por haber sido miembro de la banda The Moody Blues desde 1978 hasta 1991.  Escuchamos después otra composición para dos pianos preparados, "Let’s meet", de la compositora polaca Agnieszka Stulgińska (1978), que ofrecemos en una versión del dúo Lutosławski. De la misma nacionalidad, Agata Zubel (1978) es compositora e intérprete —en tanto que vocalista— de "Stories", para voz y piano preparado —a cargo de Cezary Duchnowski—, una obra creada a partir de textos de Natasza Goerke.  Concluimos esta edición de Ars Sonora, y con ella este ciclo dedicado a "otros pianos preparados" con la música de una autora cuyo apellido también tiene resonancias polacas, pero que nació en Detroit (Estados Unidos): Lucia Dlugoszewski (1934-2000). Ella es la autora de "Duende Quidditas", para trombón y piano preparado (o, más específicamente, "piano tímbrico", que es como Dlugoszewski prefería referirse al instrumento que ella misma interpreta en esta versión, acompañada por el trombonista David Taylor). La música de Dlugoszewski continuará acompañándonos, de manera monográfica, en la próxima edición de Ars Sonora. Escuchar audio

Culminamos nuestra exploración radiofónica de diferentes aproximaciones al piano preparado. En el último programa de este ciclo de cinco emisiones tanteamos nuevas aproximaciones a ese concepto, que en todo caso siempre se basan en la transformación tímbrica y expresiva del llamado "instrumento rey". La dimensión percusiva del piano es uno de los rasgos de las "Tres danzas para dos pianos preparados", del pianista y teclista suizo Patrick Moraz (1948), especialmente conocido por haber formado parte del grupo de rock sinfónico Yes desde 1974 hasta 1976, así como por haber sido miembro de la banda The Moody Blues desde 1978 hasta 1991. Escuchamos después otra composición para dos pianos preparados, "Let’s meet", de la compositora polaca Agnieszka Stulgińska (1978), que ofrecemos en una versión del dúo Lutosławski. De la misma nacionalidad, Agata Zubel (1978) es compositora e intérprete —en tanto que vocalista— de "Stories", para voz y piano preparado —a cargo de Cezary Duchnowski—, una obra creada a partir de textos de Natasza Goerke. Concluimos esta edición de Ars Sonora, y con ella este ciclo dedicado a "otros pianos preparados" con la música de una autora cuyo apellido también tiene resonancias polacas, pero que nació en Detroit (Estados Unidos): Lucia Dlugoszewski (1934-2000). Ella es la autora de "Duende Quidditas", para trombón y piano preparado (o, más específicamente, "piano tímbrico", que es como Dlugoszewski prefería referirse al instrumento que ella misma interpreta en esta versión, acompañada por el trombonista David Taylor). La música de Dlugoszewski continuará acompañándonos, de manera monográfica, en la próxima edición de Ars Sonora. <a href="https://www.rtve.es/play/audios/ars-sonora/otros-pianos-preparados-v-11-03-23/6831973/" rel="nofollow" target="_blank">Escuchar audio</a>

Ars sonora - Otros pianos preparados (V) - 11/03/23

Continuamos nuestra exploración radiofónica de diferentes aproximaciones al piano preparado, es decir, a la transformación tímbrica y expresiva de ese instrumento derivada de la colocación, en su interior (junto a sus cuerdas, en los macillos, en los apagadores…), de elementos tales como tornillos, pinzas, gomas de borrar, etc.  La figura del compositor estadounidense John Cage (1912-1992) ha quedado indeleblemente asociada al piano preparado, y en este cuarto episodio del ciclo dedicado a la que puede considerarse una de sus aportaciones más destacadas proponemos una experiencia de escucha singular, destinada a resaltar la inmensa —si es que no infinita— variedad de timbres y otros matices sonoros que el piano preparado puede generar. La percepción de ese sutil abanico de diferencias puede afinarse —ésa es la hipótesis en la que se basa esta edición de Ars Sonora— mediante la audición repetida, hasta veintiuna veces, de un mismo fragmento musical.  Así, en este programa contrastaremos auditivamente diferentes interpretaciones de la tercera de las "Sonatas e interludios para piano preparado" de Cage, una obra compuesta entre 1946 y 1948. Comenzamos con una versión ejecutada por la dedicataria de la obra, la pianista estadounidense de origen armenio Maro Ajemian (que vivió entre 1921 y 1978), y sin solución de continuidad escuchamos las aproximaciones a esta pieza registradas por James Tenney, John Tilbury, Per Tengstrand, Aleck Karis, Herbert Henck, Pedja Muzijevic, Margaret Leng Tan, Kate Boyd, Jean-Pierre Dupuy, Markus Hinterhäuser, Julie Steinberg, Antonis Anissegos, Claudia Janet Birkholz, Joanna MacGregor, Joshua Pierce, Nada Kolundžija, Kathleen Solose, Steffen Schleiermacher, Nora Skuta y Boris Berman.  Este listado podría ser, sin duda, mucho más extenso, pues ciertamente las "Sonatas e interludios" han sido registradas en innumerables ocasiones, convirtiéndose en una obra de referencia dentro de la música del siglo XX. Pero confiamos en que esta desafiante e hipnótica selección —y la extrema experiencia de escucha que les proponemos en esta emisión radiofónica— sirva como muestra de las infinitas sonoridades que puede generar el piano preparado, tal y como John Cage lo imaginó en la década de los años cuarenta del pasado siglo. Escuchar audio

Continuamos nuestra exploración radiofónica de diferentes aproximaciones al piano preparado, es decir, a la transformación tímbrica y expresiva de ese instrumento derivada de la colocación, en su interior (junto a sus cuerdas, en los macillos, en los apagadores…), de elementos tales como tornillos, pinzas, gomas de borrar, etc. La figura del compositor estadounidense John Cage (1912-1992) ha quedado indeleblemente asociada al piano preparado, y en este cuarto episodio del ciclo dedicado a la que puede considerarse una de sus aportaciones más destacadas proponemos una experiencia de escucha singular, destinada a resaltar la inmensa —si es que no infinita— variedad de timbres y otros matices sonoros que el piano preparado puede generar. La percepción de ese sutil abanico de diferencias puede afinarse —ésa es la hipótesis en la que se basa esta edición de Ars Sonora— mediante la audición repetida, hasta veintiuna veces, de un mismo fragmento musical. Así, en este programa contrastaremos auditivamente diferentes interpretaciones de la tercera de las "Sonatas e interludios para piano preparado" de Cage, una obra compuesta entre 1946 y 1948. Comenzamos con una versión ejecutada por la dedicataria de la obra, la pianista estadounidense de origen armenio Maro Ajemian (que vivió entre 1921 y 1978), y sin solución de continuidad escuchamos las aproximaciones a esta pieza registradas por James Tenney, John Tilbury, Per Tengstrand, Aleck Karis, Herbert Henck, Pedja Muzijevic, Margaret Leng Tan, Kate Boyd, Jean-Pierre Dupuy, Markus Hinterhäuser, Julie Steinberg, Antonis Anissegos, Claudia Janet Birkholz, Joanna MacGregor, Joshua Pierce, Nada Kolundžija, Kathleen Solose, Steffen Schleiermacher, Nora Skuta y Boris Berman. Este listado podría ser, sin duda, mucho más extenso, pues ciertamente las "Sonatas e interludios" han sido registradas en innumerables ocasiones, convirtiéndose en una obra de referencia dentro de la música del siglo XX. Pero confiamos en que esta desafiante e hipnótica selección —y la extrema experiencia de escucha que les proponemos en esta emisión radiofónica— sirva como muestra de las infinitas sonoridades que puede generar el piano preparado, tal y como John Cage lo imaginó en la década de los años cuarenta del pasado siglo. <a href="https://www.rtve.es/play/audios/ars-sonora/otros-pianos-preparados-iv-04-03-23/6826278/" rel="nofollow" target="_blank">Escuchar audio</a>

Ars sonora - Otros pianos preparados (IV) - 04/03/23

Continuamos explorando diferentes aproximaciones al piano preparado, es decir, a la transformación tímbrica y expresiva de ese instrumento derivada de la colocación, en su interior (junto a sus cuerdas, en los macillos, en los apagadores…), de elementos tales como tornillos, pinzas, gomas de borrar, etc.  Convencionalmente se atribuye la invención del piano preparado a John Cage, si bien es posible detectar un antecedente de estos procedimientos en una obra de Erik Satie fechada en 1913, "La piège de Meduse". Durante el estreno de esta obra teatral, Satie —que interpretaba su propia música— deslizó unas hojas de papel entre las cuerdas del piano para conseguir un sonido más mecánico. En el inicio de esta emisión escuchamos una muestra de este trabajo pionero.  Desde esa remota referencia pasamos a presentar varios extractos de un disco editado mucho más recientemente, en 2022: "Extensions" de John Opstad, un proyecto realizado a partir de la preparación del Yamaha U3 Disklavier (un piano vertical que puede controlarse mediante ordenador a través de comandos MIDI). Con esta audición iniciamos un recorrido a través de diferentes obras que hacen uso del piano preparado, pero que no necesariamente se adscriben directamente al ámbito del arte sonoro o de las músicas experimentales, sino que proceden de otros ámbitos estéticos, como la composición audiovisual, el pop, la música electrónica de baile o incluso el country alternativo.  Así, recordamos la composición de Brian Eno titulada "Little Fishes" (incluida en su tercer disco de estudio, "Another Green World", publicado en 1975), así como un trabajo de The Handsome Family, "Prepared Piano #1", perteneciente al disco "Smothered and Covered", de 2003. A continuación escuchamos una selección de piezas extraídas de "drukQs", quinto álbum de estudio de Aphex Twin (Richard David James), así como del disco "Klavikon", del pianista y compositor Leon Michener (quien, en sus propias palabras, se inspiró en la "obra experimental de Tudor y Cage para transformar el instrumento en una fábrica de inquietantes texturas percusivas").  Concluimos este tercer capítulo de nuestro ciclo con la música de Volker Bertelmann, nacido en 1966 en Kreuztal (Alemania), que actúa principalmente bajo el nombre de Hauschka. De su disco "The Prepared Piano", publicado en 2005, escuchamos las composiciones tituladas "Traffic" y "Kein Wort". Escuchar audio

Continuamos explorando diferentes aproximaciones al piano preparado, es decir, a la transformación tímbrica y expresiva de ese instrumento derivada de la colocación, en su interior (junto a sus cuerdas, en los macillos, en los apagadores…), de elementos tales como tornillos, pinzas, gomas de borrar, etc. Convencionalmente se atribuye la invención del piano preparado a John Cage, si bien es posible detectar un antecedente de estos procedimientos en una obra de Erik Satie fechada en 1913, "La piège de Meduse". Durante el estreno de esta obra teatral, Satie —que interpretaba su propia música— deslizó unas hojas de papel entre las cuerdas del piano para conseguir un sonido más mecánico. En el inicio de esta emisión escuchamos una muestra de este trabajo pionero. Desde esa remota referencia pasamos a presentar varios extractos de un disco editado mucho más recientemente, en 2022: "Extensions" de John Opstad, un proyecto realizado a partir de la preparación del Yamaha U3 Disklavier (un piano vertical que puede controlarse mediante ordenador a través de comandos MIDI). Con esta audición iniciamos un recorrido a través de diferentes obras que hacen uso del piano preparado, pero que no necesariamente se adscriben directamente al ámbito del arte sonoro o de las músicas experimentales, sino que proceden de otros ámbitos estéticos, como la composición audiovisual, el pop, la música electrónica de baile o incluso el country alternativo. Así, recordamos la composición de Brian Eno titulada "Little Fishes" (incluida en su tercer disco de estudio, "Another Green World", publicado en 1975), así como un trabajo de The Handsome Family, "Prepared Piano #1", perteneciente al disco "Smothered and Covered", de 2003. A continuación escuchamos una selección de piezas extraídas de "drukQs", quinto álbum de estudio de Aphex Twin (Richard David James), así como del disco "Klavikon", del pianista y compositor Leon Michener (quien, en sus propias palabras, se inspiró en la "obra experimental de Tudor y Cage para transformar el instrumento en una fábrica de inquietantes texturas percusivas"). Concluimos este tercer capítulo de nuestro ciclo con la música de Volker Bertelmann, nacido en 1966 en Kreuztal (Alemania), que actúa principalmente bajo el nombre de Hauschka. De su disco "The Prepared Piano", publicado en 2005, escuchamos las composiciones tituladas "Traffic" y "Kein Wort". <a href="https://www.rtve.es/play/audios/ars-sonora/otros-pianos-preparados-iii-25-02-23/6819894/" rel="nofollow" target="_blank">Escuchar audio</a>

Ars sonora - Otros pianos preparados (III) - 25/02/23

Proseguimos el ciclo iniciado la semana pasada, dedicado a explorar diferentes aproximaciones al piano preparado, es decir, a la transformación tímbrica y expresiva de ese instrumento derivada de la colocación, en su interior (junto a sus cuerdas, en los macillos, en los apagadores…), de elementos tales como tornillos, pinzas, gomas de borrar, etc.  En este segundo capítulo presentamos dos extensas obras, cada una de las cuales representa un posicionamiento estético muy diferente —si es que no antagónico— respecto de la otra, aunque sus respectivos autores pertenecieran a la misma generación. Por un lado, escuchamos el "Concerto Grosso nº 1", para dos violines, piano preparado, clave y cuerdas, del compositor ruso Alfred Schnittke (1934-1998), compuesto en 1977 para su amigo (y gran defensor de su música), el violinista letón Gidon Kremer, a quien escuchamos en un registro efectuado en mayo de 1988 en el contexto del Festival Internacional de Música de Leningrado, con Tatiana Grindenko en el segundo violín. Ambos están acompañados por los integrantes del ensemble Soloists, todos ellos dirigidos por Yuri Bashmet.  Seguidamente proponemos la contrastante audición de una obra del estadounidense Larry Austin (1930-2018) titulada "Accidents" y compuesta en 1967 (es decir, diez años antes de la fecha de composición de la anterior obra de Schnittke) para piano preparado —interpretado en la versión que les ofrecemos por David Tudor— y un sistema de síntesis modular Buchla-100 —del que es responsable, en esta versión, el propio Austin—. Este trabajo revela cómo el compositor nacido en Oklahoma aprendió los rudimentos de la música electrónica en el San Francisco Tape Music Center en fechas tan tempranas como 1965-66, y se relacionó estrechamente con compositores como John Cage, Karlheinz Stockhausen y David Tudor en California.  Con estas dos audiciones continuamos completando el mosaico infinito de formas de concebir el piano preparado que seguiremos recorriendo, a través de este ciclo, en las próximas semanas. Escuchar audio

Proseguimos el ciclo iniciado la semana pasada, dedicado a explorar diferentes aproximaciones al piano preparado, es decir, a la transformación tímbrica y expresiva de ese instrumento derivada de la colocación, en su interior (junto a sus cuerdas, en los macillos, en los apagadores…), de elementos tales como tornillos, pinzas, gomas de borrar, etc. En este segundo capítulo presentamos dos extensas obras, cada una de las cuales representa un posicionamiento estético muy diferente —si es que no antagónico— respecto de la otra, aunque sus respectivos autores pertenecieran a la misma generación. Por un lado, escuchamos el "Concerto Grosso nº 1", para dos violines, piano preparado, clave y cuerdas, del compositor ruso Alfred Schnittke (1934-1998), compuesto en 1977 para su amigo (y gran defensor de su música), el violinista letón Gidon Kremer, a quien escuchamos en un registro efectuado en mayo de 1988 en el contexto del Festival Internacional de Música de Leningrado, con Tatiana Grindenko en el segundo violín. Ambos están acompañados por los integrantes del ensemble Soloists, todos ellos dirigidos por Yuri Bashmet. Seguidamente proponemos la contrastante audición de una obra del estadounidense Larry Austin (1930-2018) titulada "Accidents" y compuesta en 1967 (es decir, diez años antes de la fecha de composición de la anterior obra de Schnittke) para piano preparado —interpretado en la versión que les ofrecemos por David Tudor— y un sistema de síntesis modular Buchla-100 —del que es responsable, en esta versión, el propio Austin—. Este trabajo revela cómo el compositor nacido en Oklahoma aprendió los rudimentos de la música electrónica en el San Francisco Tape Music Center en fechas tan tempranas como 1965-66, y se relacionó estrechamente con compositores como John Cage, Karlheinz Stockhausen y David Tudor en California. Con estas dos audiciones continuamos completando el mosaico infinito de formas de concebir el piano preparado que seguiremos recorriendo, a través de este ciclo, en las próximas semanas. <a href="https://www.rtve.es/play/audios/ars-sonora/otros-pianos-preparados-ii/6813978/" rel="nofollow" target="_blank">Escuchar audio</a>

Ars Sonora - Otros pianos preparados (II) - 18/02/23

Tras el programa monográfico que la pasada semana dedicamos a la compositora rusa Marina Khorkova —una emisión en la que el piano preparado desempeñó un importante papel—, comenzamos aquí una serie de cinco emisiones que, bajo el título "Otros pianos preparados", explorarán algunas aproximaciones poco frecuentes a esta extensión o ampliación del "instrumento rey" preconizada por John Cage.  Comenzamos esta primera entrega del ciclo retomando la música de un autor que ya compareció en una edición anterior de nuestro espacio, titulada "Tres pianos preparados" y emitida en junio de 2019. Allí presentamos un fragmento de una obra que ahora escuchamos más extensamente, "The Eye of Fire" (2004), que combina los sonidos del cuarteto de cuerda —en este caso, el Duke Quartet— con los del piano preparado (que en esta versión interpreta el propio compositor, el londinense Rolf Hind, nacido en 1964).  Escuchamos seguidamente otra obra fechada en 2004, "Rerendered", del compositor danés Simon Steen-Andersen, nacido en 1976. Esta pieza requiere que el pianista principal esté acompañado por dos asistentes, que llevan a cabo su tarea en el interior del instrumento, manipulando los elementos propios del piano preparado sobre las cuerdas, los macillos y la propia caja de resonancia. La versión que presentamos (con la pianista noruega Ellen Ugelvik frente a las teclas) fue grabada en directo el 24 de julio del año 2010 en la Orangerie de Darmstadt, dentro de los famosos cursos de verano que se celebran cada dos años en esa ciudad alemana.  Concluimos este primer capítulo del ciclo con otro registro efectuado en el contexto de los cursos de verano de Darmstadt (se trata, en ambos casos, de valiosos documentos sonoros que en estos últimos años han sido editados en disco compacto por el sello NEOS gracias al patrocinio de la Fundación BBVA). En este caso la grabación se efectuó el 23 de julio de 1992 en la Edith-Stein-Schule de la citada ciudad germana. Allí compareció el pianista romano Oscar Pizzo, acompañado por Alessandro Pianu y Suyun Kim, como responsables de la electrónica, para interpretar conjuntamente la obra titulada "Tap" (1987), escrita para piano preparado y electrónica en vivo por Volker Heyn, compositor nacido en 1938 en Karlsruhe (Alemania), si bien emigró a Australia en su juventud. Allí trabajó en la industria del acero, y los sonidos metálicos que escuchó reiteradamente durante esa etapa de su vida le causaron una gran impresión, que le condujo a experimentar con ese tipo de timbres, tal y como se refleja en obras como ésta que presentamos.  Escuchar audio

Tras el programa monográfico que la pasada semana dedicamos a la compositora rusa Marina Khorkova —una emisión en la que el piano preparado desempeñó un importante papel—, comenzamos aquí una serie de cinco emisiones que, bajo el título "Otros pianos preparados", explorarán algunas aproximaciones poco frecuentes a esta extensión o ampliación del "instrumento rey" preconizada por John Cage. Comenzamos esta primera entrega del ciclo retomando la música de un autor que ya compareció en una edición anterior de nuestro espacio, titulada "Tres pianos preparados" y emitida en junio de 2019. Allí presentamos un fragmento de una obra que ahora escuchamos más extensamente, "The Eye of Fire" (2004), que combina los sonidos del cuarteto de cuerda —en este caso, el Duke Quartet— con los del piano preparado (que en esta versión interpreta el propio compositor, el londinense Rolf Hind, nacido en 1964). Escuchamos seguidamente otra obra fechada en 2004, "Rerendered", del compositor danés Simon Steen-Andersen, nacido en 1976. Esta pieza requiere que el pianista principal esté acompañado por dos asistentes, que llevan a cabo su tarea en el interior del instrumento, manipulando los elementos propios del piano preparado sobre las cuerdas, los macillos y la propia caja de resonancia. La versión que presentamos (con la pianista noruega Ellen Ugelvik frente a las teclas) fue grabada en directo el 24 de julio del año 2010 en la Orangerie de Darmstadt, dentro de los famosos cursos de verano que se celebran cada dos años en esa ciudad alemana. Concluimos este primer capítulo del ciclo con otro registro efectuado en el contexto de los cursos de verano de Darmstadt (se trata, en ambos casos, de valiosos documentos sonoros que en estos últimos años han sido editados en disco compacto por el sello NEOS gracias al patrocinio de la Fundación BBVA). En este caso la grabación se efectuó el 23 de julio de 1992 en la Edith-Stein-Schule de la citada ciudad germana. Allí compareció el pianista romano Oscar Pizzo, acompañado por Alessandro Pianu y Suyun Kim, como responsables de la electrónica, para interpretar conjuntamente la obra titulada "Tap" (1987), escrita para piano preparado y electrónica en vivo por Volker Heyn, compositor nacido en 1938 en Karlsruhe (Alemania), si bien emigró a Australia en su juventud. Allí trabajó en la industria del acero, y los sonidos metálicos que escuchó reiteradamente durante esa etapa de su vida le causaron una gran impresión, que le condujo a experimentar con ese tipo de timbres, tal y como se refleja en obras como ésta que presentamos. <a href="https://www.rtve.es/play/audios/ars-sonora/otros-pianos-preparados/6807722/" rel="nofollow" target="_blank">Escuchar audio</a>

Ars Sonora - Otros pianos preparados (I) - 11/02/23

La compositora Marina Khorkova, nacida en Rusia en 1981, protagoniza esta edición de Ars Sonora. Tras iniciar sus estudios en su país natal, Khorkova continuó su formación en Stuttgart y Basilea. En la Musik-Akademie de esta última ciudad Khorkova desarrolló, en el año 2014, una importante investigación sobre "Los sonidos multifónicos de las cuerdas del piano preparado".  Este instrumento, como tendremos ocasión de comprobar a lo largo de la emisión, ha desempeñado un papel muy destacado en el catálogo de Marina Khorkova. Por ello este monográfico, en el que el piano preparado también ocupa un lugar protagónico, puede servir como preludio del ciclo de cinco programas que dedicaremos a la afortunada invención de John Cage a partir de la semana que viene.  Escuchamos, pues, el timbre ampliado del piano en las siguientes composiciones de Khorkova: "Collision" (2015), que presentamos en la interpretación del Ensemble Ascolta; “Vor der grenze” (2010), para clarinete, violonchelo y piano preparado (con Lanet Flores, Caspar Johannes Walter y Helena Bugallo, respectivamente); “klangNarbe” (2014/2015), para saxofón barítono, percusión y piano preparado (que nos llega en la versión del Trio Accanto, formado por Marcus Weiss, Christian Dierstein y Nicolas Hodges); y “Beschwörung durch Lachen”, para voz de soprano (Alessia Hyunkyung Park) y un ensemble que incluye un monocordio (sobre el que trabajan tanto Koka Nikoladze como Susanne Kabalan), piano preparado y piano en multifónicos (con la propia compositora junto a Yulia Draginda como responsables), y clavicémbalo afinado en microtonos (que aquí interpreta Johannes Keller), todos ellos dirigidos, en la versión de la obra con la que cerramos esta emisión, por Georg Köhler.  Escuchar audio

La compositora Marina Khorkova, nacida en Rusia en 1981, protagoniza esta edición de Ars Sonora. Tras iniciar sus estudios en su país natal, Khorkova continuó su formación en Stuttgart y Basilea. En la Musik-Akademie de esta última ciudad Khorkova desarrolló, en el año 2014, una importante investigación sobre "Los sonidos multifónicos de las cuerdas del piano preparado". Este instrumento, como tendremos ocasión de comprobar a lo largo de la emisión, ha desempeñado un papel muy destacado en el catálogo de Marina Khorkova. Por ello este monográfico, en el que el piano preparado también ocupa un lugar protagónico, puede servir como preludio del ciclo de cinco programas que dedicaremos a la afortunada invención de John Cage a partir de la semana que viene. Escuchamos, pues, el timbre ampliado del piano en las siguientes composiciones de Khorkova: "Collision" (2015), que presentamos en la interpretación del Ensemble Ascolta; “Vor der grenze” (2010), para clarinete, violonchelo y piano preparado (con Lanet Flores, Caspar Johannes Walter y Helena Bugallo, respectivamente); “klangNarbe” (2014/2015), para saxofón barítono, percusión y piano preparado (que nos llega en la versión del Trio Accanto, formado por Marcus Weiss, Christian Dierstein y Nicolas Hodges); y “Beschwörung durch Lachen”, para voz de soprano (Alessia Hyunkyung Park) y un ensemble que incluye un monocordio (sobre el que trabajan tanto Koka Nikoladze como Susanne Kabalan), piano preparado y piano en multifónicos (con la propia compositora junto a Yulia Draginda como responsables), y clavicémbalo afinado en microtonos (que aquí interpreta Johannes Keller), todos ellos dirigidos, en la versión de la obra con la que cerramos esta emisión, por Georg Köhler. <a href="https://www.rtve.es/play/audios/ars-sonora/marina-khorkova-piano-preparado/6800036/" rel="nofollow" target="_blank">Escuchar audio</a>

Ars Sonora - Marina Khorkova y el piano preparado - 04/02/23

Concluimos nuestro doble programa monográfico dedicado a la compositora sueca, nacida en 1957, Karin Rehnqvist.  Tras la escucha introductoria de la recitación titulada "Till Ängeln" (con las voces de Lotta Tejle y Therese Brunnander), planteamos un ejercicio de audición comparativa presentando dos versiones, bien diferentes, de la obra "Davids Nimm" (1984). La primera corresponde al coro de cámara Eric Ericson, dirigido por Fredrik Malmberg, con el protagonismo vocal de Hannah Holgersson, Christina Larsson Malmberg, y Helena Stroberg, y en la segunda escuchamos a la mezzosoprano Agnete Christensen y las sopranos Lena Willemark y Susanne Rosenberg.  Cambiando de registro, el percusionista Jonny Axelsson interpreta un singular címbalo en "Strömmar" (1992), tras lo cual retornamos al repertorio vocal de Rehnqvist para presentar "Teile dich Nacht", para coro mixto y voz solista (en este caso, volvemos a escuchar a Lena Willemark, acompañada por el Vokalensemble de la SWR Stuttgart). En este trabajo, como ya sucedía en algunos que presentamos en el programa de la semana pasada, Rehnqvist incorpora esa modalidad de canto folclórico denominada "kulning", y se apoya en textos de la poeta alemana de origen judío Nelly Sachs, que en 1966 recibió el Premio Nobel de Literatura.  En el final de esta emisión proponemos otra comparación de dos versiones, notablemente diferenciadas, de una misma composición de Karin Rehnqvist: "Rädda mig ur dyn" (1994). En la primera escuchamos a Jörgen Pettersson en el saxo alto junto a la soprano Susanne Rosenberg, mientras que la segunda interpretación corresponde a Geoff Landman en el instrumento de viento, acompañado por la voz de Ulrika Bodén. Escuchar audio

Concluimos nuestro doble programa monográfico dedicado a la compositora sueca, nacida en 1957, Karin Rehnqvist. Tras la escucha introductoria de la recitación titulada "Till Ängeln" (con las voces de Lotta Tejle y Therese Brunnander), planteamos un ejercicio de audición comparativa presentando dos versiones, bien diferentes, de la obra "Davids Nimm" (1984). La primera corresponde al coro de cámara Eric Ericson, dirigido por Fredrik Malmberg, con el protagonismo vocal de Hannah Holgersson, Christina Larsson Malmberg, y Helena Stroberg, y en la segunda escuchamos a la mezzosoprano Agnete Christensen y las sopranos Lena Willemark y Susanne Rosenberg. Cambiando de registro, el percusionista Jonny Axelsson interpreta un singular címbalo en "Strömmar" (1992), tras lo cual retornamos al repertorio vocal de Rehnqvist para presentar "Teile dich Nacht", para coro mixto y voz solista (en este caso, volvemos a escuchar a Lena Willemark, acompañada por el Vokalensemble de la SWR Stuttgart). En este trabajo, como ya sucedía en algunos que presentamos en el programa de la semana pasada, Rehnqvist incorpora esa modalidad de canto folclórico denominada "kulning", y se apoya en textos de la poeta alemana de origen judío Nelly Sachs, que en 1966 recibió el Premio Nobel de Literatura. En el final de esta emisión proponemos otra comparación de dos versiones, notablemente diferenciadas, de una misma composición de Karin Rehnqvist: "Rädda mig ur dyn" (1994). En la primera escuchamos a Jörgen Pettersson en el saxo alto junto a la soprano Susanne Rosenberg, mientras que la segunda interpretación corresponde a Geoff Landman en el instrumento de viento, acompañado por la voz de Ulrika Bodén. <a href="https://www.rtve.es/play/audios/ars-sonora/karin-rehnqvist-ii/6789514/" rel="nofollow" target="_blank">Escuchar audio</a>

Ars Sonora - Karin Rehnqvist (II) - 28/01/23

Los contenidos del programa están abiertos al Arte Sonoro, en las vertientes de poesía sonora, instalaciones sonoras, performances y radio arte, así como a la Música Electroacústica. En dichos campos se atiende a la actualidad española e internacional, lo que supone realizar programas monográficos dedicados a autores, a temas, a novedades discográficas, a nuevas producciones o a exposiciones, convocatorias, festivales y muestras sobre el arte sonoro y la electroacústica. Permanentemente se buscan nuevos tipos de elaboración y presentación de la emisión, con objeto de estimular la curiosidad y el interés de la audiencia.

Iniciamos, con esta emisión, un doble programa monográfico dedicado a la compositora sueca Karin Rehnqvist, nacida en Estocolmo en 1957.  Presentamos varios fragmentos del ciclo "Puksånger - lockrop" (1989), en el que Rehnqvist recupera ciertos elementos propios de las tradiciones populares escandinavas, destacadamente una forma de canto propia del pastoreo que recibe el nombre de "kulning". En la versión que escuchamos las sopranos Lena Willemark y Susanne Rosenberg —frecuentes colaboradoras de Rehnqvist, como también comprobaremos en la segunda parte de este monográfico— están acompañadas por la percusión (los timbales, especialmente) de Helena Gabrielsson.  La percusión, ahora combinada con el trombón (con Jonny Axelsson e Ivo Nilsson como sus respectivos intérpretes), también protagoniza la siguiente audición, "Dådra" (1992), en la que tanto el efectivo instrumental como la temporalidad de la pieza se dilatan en todas sus dimensiones.  Concluimos esta primera entrega del doble monográfico dedicado a Karin Rehnqvist con la escucha de un fragmento de "Till Ängeln med de brinnande händerna" (2000), para oboe y coro mixto, una composición basada en textos del autor sueco Björn von Rosen, cuya vida prácticamente atravesó el siglo pasado, y que dedicó algunos de sus más memorables versos "Al ángel de las manos ardientes". Escuchar audio

Iniciamos, con esta emisión, un doble programa monográfico dedicado a la compositora sueca Karin Rehnqvist, nacida en Estocolmo en 1957. Presentamos varios fragmentos del ciclo "Puksånger - lockrop" (1989), en el que Rehnqvist recupera ciertos elementos propios de las tradiciones populares escandinavas, destacadamente una forma de canto propia del pastoreo que recibe el nombre de "kulning". En la versión que escuchamos las sopranos Lena Willemark y Susanne Rosenberg —frecuentes colaboradoras de Rehnqvist, como también comprobaremos en la segunda parte de este monográfico— están acompañadas por la percusión (los timbales, especialmente) de Helena Gabrielsson. La percusión, ahora combinada con el trombón (con Jonny Axelsson e Ivo Nilsson como sus respectivos intérpretes), también protagoniza la siguiente audición, "Dådra" (1992), en la que tanto el efectivo instrumental como la temporalidad de la pieza se dilatan en todas sus dimensiones. Concluimos esta primera entrega del doble monográfico dedicado a Karin Rehnqvist con la escucha de un fragmento de "Till Ängeln med de brinnande händerna" (2000), para oboe y coro mixto, una composición basada en textos del autor sueco Björn von Rosen, cuya vida prácticamente atravesó el siglo pasado, y que dedicó algunos de sus más memorables versos "Al ángel de las manos ardientes". <a href="https://www.rtve.es/play/audios/ars-sonora/karin-rehnqvist/6780680/" rel="nofollow" target="_blank">Escuchar audio</a>

Ars sonora - Karin Rehnqvist (I) - 21/01/23

Concluimos el triple programa monográfico que estamos dedicando al poeta sonoro Henri Chopin (1922-2008) con el doble motivo del centenario de su nacimiento —la primera parte del ciclo constituyó la última emisión de Ars Sonora en el año 2022— y de los quince años transcurridos desde su fallecimiento —que se cumplen en este 2023, y por tanto coinciden con la emisión de esta tercera y última parte del monográfico—.  Comenzamos esta tercera entrega explorando las relaciones de la poética chopiniana con estéticas vecinas al ruidismo, la música industrial o incluso el punk; todo ello se manifiesta en audiopoemas como "Alphabet et glotté" (1987) o "Le discours des ministres" (1965), poema sonoro descrito con estas palabras en el libro "La radio ante el micrófono: voz, erotismo y sociedad de masas", publicado por la editorial Consonni: "Una obra temprana de carácter teatral que, en general, no trasciende el orden semántico del idioma francés, pero sí lo altera a través de un uso desmesurado del efecto de retardo o delay, que al aplicarse sobre un texto en sí mismo repetitivo, contribuye a desfigurarlo".  También ahondamos, siguiendo la estela del programa anterior, en otra faceta fundamental dentro de la labor creativa de este singular poeta: los notables esfuerzos que dedicó a la difusión de la poesía experimental en general, y de la poesía sonora en particular. De la "Revue OU" recuperamos los audiopoemas "La fusée interplanétaire" (1963) y "Sol Air" (1961-1964).  Concluimos el programa —y, por tanto, este pequeño ciclo dedicado a Henri Chopin— cerrando un círculo, con la escucha de la pieza que sirvió como antecedente de "Le Corpsbis" (la obra radiofónica producida para la WDR por Klaus Schöning en 1985, que nosotros presentamos en la primera parte de este triple monográfico): "Le Corps” (1966). Escuchar audio

Concluimos el triple programa monográfico que estamos dedicando al poeta sonoro Henri Chopin (1922-2008) con el doble motivo del centenario de su nacimiento —la primera parte del ciclo constituyó la última emisión de Ars Sonora en el año 2022— y de los quince años transcurridos desde su fallecimiento —que se cumplen en este 2023, y por tanto coinciden con la emisión de esta tercera y última parte del monográfico—. Comenzamos esta tercera entrega explorando las relaciones de la poética chopiniana con estéticas vecinas al ruidismo, la música industrial o incluso el punk; todo ello se manifiesta en audiopoemas como "Alphabet et glotté" (1987) o "Le discours des ministres" (1965), poema sonoro descrito con estas palabras en el libro "La radio ante el micrófono: voz, erotismo y sociedad de masas", publicado por la editorial Consonni: "Una obra temprana de carácter teatral que, en general, no trasciende el orden semántico del idioma francés, pero sí lo altera a través de un uso desmesurado del efecto de retardo o delay, que al aplicarse sobre un texto en sí mismo repetitivo, contribuye a desfigurarlo". También ahondamos, siguiendo la estela del programa anterior, en otra faceta fundamental dentro de la labor creativa de este singular poeta: los notables esfuerzos que dedicó a la difusión de la poesía experimental en general, y de la poesía sonora en particular. De la "Revue OU" recuperamos los audiopoemas "La fusée interplanétaire" (1963) y "Sol Air" (1961-1964). Concluimos el programa —y, por tanto, este pequeño ciclo dedicado a Henri Chopin— cerrando un círculo, con la escucha de la pieza que sirvió como antecedente de "Le Corpsbis" (la obra radiofónica producida para la WDR por Klaus Schöning en 1985, que nosotros presentamos en la primera parte de este triple monográfico): "Le Corps” (1966). <a href="https://www.rtve.es/play/audios/ars-sonora/henri-chopin-iii/6776004/" rel="nofollow" target="_blank">Escuchar audio</a>

Ars sonora - Henri Chopin (III) - 14/01/23

Continuamos nuestro triple programa monográfico dedicado al poeta sonoro Henri Chopin (1922-2008) con el doble motivo del centenario de su nacimiento —la primera parte del ciclo constituyó la última emisión de Ars Sonora en el año 2022— y de los quince años transcurridos desde su fallecimiento —que se cumplen en este 2023, y por tanto coinciden con la emisión de esta segunda parte del monográfico—.  Las primeras audiciones que presentamos en este segundo capítulo continúan explorando esas tensiones entre la oralidad y la escritura características de la poética de Henri Chopin. Pero en sus obras la escritura no es "gráfica" —como la que habitualmente registramos sobre un papel—, sino "fonográfica", pues se basa en registros sonoros (según se explica en el libro titulado "La radio ante el micrófono: voz, erotismo y sociedad de masas", publicado por la editorial Consonni en 2021, que tiene al poeta francés como protagonista de su primer capítulo —unas páginas que pueden descargarse libremente a través de Internet desde la página de la citada editorial—). Es así como surge la categoría del "audiopoema", a la que se adscriben creaciones como "La peur" (1958) o "Pluralité 1.1.1.1." (1968-1969), que aquí presentamos.  En esta emisión también sondeamos otra importante faceta, fundamental dentro de la labor creativa de este poeta singular: los encomiables esfuerzos que dedicó a la difusión de la poesía experimental en general, y de la poesía sonora en particular. Las revistas "Cinquième saison", desde 1958, y "OU", hasta 1974, ambas dirigidas por Chopin, presentaron obras de autores como William S. Burroughs, Brion Gysin, Gil J. Wolman, François Dufrêne, Bernard Heidsieck, Tom Phillips o Raoul Hausmann, entre muchos otros. En el último tramo de esta emisión rescatamos de la "Revue OU" otros tres audiopoemas del propio Chopin: "Vibrespace" (1963), "L'energie du sommeil" (1965) e "Indicatif 1" (1962). Escuchar audio

Continuamos nuestro triple programa monográfico dedicado al poeta sonoro Henri Chopin (1922-2008) con el doble motivo del centenario de su nacimiento —la primera parte del ciclo constituyó la última emisión de Ars Sonora en el año 2022— y de los quince años transcurridos desde su fallecimiento —que se cumplen en este 2023, y por tanto coinciden con la emisión de esta segunda parte del monográfico—. Las primeras audiciones que presentamos en este segundo capítulo continúan explorando esas tensiones entre la oralidad y la escritura características de la poética de Henri Chopin. Pero en sus obras la escritura no es "gráfica" —como la que habitualmente registramos sobre un papel—, sino "fonográfica", pues se basa en registros sonoros (según se explica en el libro titulado "La radio ante el micrófono: voz, erotismo y sociedad de masas", publicado por la editorial Consonni en 2021, que tiene al poeta francés como protagonista de su primer capítulo —unas páginas que pueden descargarse libremente a través de Internet desde la página de la citada editorial—). Es así como surge la categoría del "audiopoema", a la que se adscriben creaciones como "La peur" (1958) o "Pluralité 1.1.1.1." (1968-1969), que aquí presentamos. En esta emisión también sondeamos otra importante faceta, fundamental dentro de la labor creativa de este poeta singular: los encomiables esfuerzos que dedicó a la difusión de la poesía experimental en general, y de la poesía sonora en particular. Las revistas "Cinquième saison", desde 1958, y "OU", hasta 1974, ambas dirigidas por Chopin, presentaron obras de autores como William S. Burroughs, Brion Gysin, Gil J. Wolman, François Dufrêne, Bernard Heidsieck, Tom Phillips o Raoul Hausmann, entre muchos otros. En el último tramo de esta emisión rescatamos de la "Revue OU" otros tres audiopoemas del propio Chopin: "Vibrespace" (1963), "L'energie du sommeil" (1965) e "Indicatif 1" (1962). <a href="https://www.rtve.es/play/audios/ars-sonora/henri-chopin-ii-07-01-23/6770950/" rel="nofollow" target="_blank">Escuchar audio</a>

Ars sonora - Henri Chopin (II) - 07/01/23

Iniciamos aquí un triple programa monográfico dedicado al poeta sonoro Henri Chopin (1922-2008) con el doble motivo del centenario de su nacimiento —esta primera parte del ciclo constituye la última emisión de Ars Sonora en el año 2022— y de los quince años transcurridos desde su fallecimiento —que se cumplirán a comienzos de 2023, coincidiendo con la emisión de la segunda y la tercera parte de este monográfico—.  En este primer programa consagrado a Chopin —figura fundacional de la poesía sonora— proporcionamos algunos datos sobre la biografía del artista, un recorrido que se inicia en el París de 1922 dentro de una familia judía, y que muy tempranamente le ubicó cerca de la muerte, pues ya desde su juventud sufrió los efectos de la Segunda Guerra Mundial.  En lo que respecta a nuestra selección de audiciones, en este capítulo inicial nos centramos en la escucha de dos de sus obras más extensas y ambiciosas, compuestas en la etapa intermedia de su carrera artística, es decir, en plena madurez: “Les neuf saintes-phonies” (1984/1987) —que presentamos de manera fragmentaria— y “Le Corpsbis” (1985) —que ofrecemos íntegramente—.  Este último trabajo, surgido como un encargo de la emisora WDR de Colonia producido por Klaus Schöning (uno de los más destacados impulsores de la creación radiofónica experimental en Alemania), constituye una de las obras señeras no ya de la historia de la poesía sonora, sino también de la del arte radiofónico. Para su análisis y comentario nos basamos en el libro titulado “La radio ante el micrófono: voz, erotismo y sociedad de masas” (publicado por la editorial bilbaína Consonni en 2021), que tiene al poeta francés como protagonista de su primer capítulo —unas páginas que pueden descargarse libremente a través de Internet desde la página de la citada editorial—). De allí extraemos las siguientes palabras:  “Este trabajo de Henri Chopin manifiesta cómo el micrófono invade el palpitante cuerpo humano […] a la manera de un catéter o una sonda. Penetra en la boca, en la carne, pero atraviesa también el lenguaje convencional —ese que, con diferencia, constituye el material sonoro más frecuente en la radiofonía mundial—. […] (L)a expresión verbal regularizada se desintegra, abandonando no solo los contornos de cualquier posible idioma, sino la semántica en general. El lenguaje se reduce a la «mera» voz, y esta se hace carne llevando a la literalidad el versículo catorce del Evangelio según san Juan”. Escuchar audio

Iniciamos aquí un triple programa monográfico dedicado al poeta sonoro Henri Chopin (1922-2008) con el doble motivo del centenario de su nacimiento —esta primera parte del ciclo constituye la última emisión de Ars Sonora en el año 2022— y de los quince años transcurridos desde su fallecimiento —que se cumplirán a comienzos de 2023, coincidiendo con la emisión de la segunda y la tercera parte de este monográfico—. En este primer programa consagrado a Chopin —figura fundacional de la poesía sonora— proporcionamos algunos datos sobre la biografía del artista, un recorrido que se inicia en el París de 1922 dentro de una familia judía, y que muy tempranamente le ubicó cerca de la muerte, pues ya desde su juventud sufrió los efectos de la Segunda Guerra Mundial. En lo que respecta a nuestra selección de audiciones, en este capítulo inicial nos centramos en la escucha de dos de sus obras más extensas y ambiciosas, compuestas en la etapa intermedia de su carrera artística, es decir, en plena madurez: “Les neuf saintes-phonies” (1984/1987) —que presentamos de manera fragmentaria— y “Le Corpsbis” (1985) —que ofrecemos íntegramente—. Este último trabajo, surgido como un encargo de la emisora WDR de Colonia producido por Klaus Schöning (uno de los más destacados impulsores de la creación radiofónica experimental en Alemania), constituye una de las obras señeras no ya de la historia de la poesía sonora, sino también de la del arte radiofónico. Para su análisis y comentario nos basamos en el libro titulado “La radio ante el micrófono: voz, erotismo y sociedad de masas” (publicado por la editorial bilbaína Consonni en 2021), que tiene al poeta francés como protagonista de su primer capítulo —unas páginas que pueden descargarse libremente a través de Internet desde la página de la citada editorial—). De allí extraemos las siguientes palabras: “Este trabajo de Henri Chopin manifiesta cómo el micrófono invade el palpitante cuerpo humano […] a la manera de un catéter o una sonda. Penetra en la boca, en la carne, pero atraviesa también el lenguaje convencional —ese que, con diferencia, constituye el material sonoro más frecuente en la radiofonía mundial—. […] (L)a expresión verbal regularizada se desintegra, abandonando no solo los contornos de cualquier posible idioma, sino la semántica en general. El lenguaje se reduce a la «mera» voz, y esta se hace carne llevando a la literalidad el versículo catorce del Evangelio según san Juan”. <a href="https://www.rtve.es/play/audios/ars-sonora/henri-chopin/6767327/" rel="nofollow" target="_blank">Escuchar audio</a>

Ars sonora - Henri Chopin (I) - 31/12/22

Continuamos el ciclo que estamos dedicando a conmemorar el cincuenta aniversario del que posiblemente constituya el más importante evento, en el ámbito del arte sonoro, que tuvo lugar en España durante la segunda mitad del pasado siglo: los Encuentros de Pamplona de 1972.  Estos encuentros, cuya dirección artística corrió a cargo de Luis de Pablo (1930-2021) y José Luis Alexanco (1942-2021), se concibieron como "un certamen internacional de prácticas artísticas contemporáneas", y por tanto su programación no se restringía, ni mucho menos, a la música o al sonido. Sin embargo, las experiencias relacionadas con la escucha gozaron allí de una fundamental presencia, e incluso podría considerarse que cambiaron el devenir del arte sonoro en España durante las siguientes décadas.  No han sido muchas, desgraciadamente, las iniciativas culturales surgidas de nuestras instituciones que en estos últimos meses hayan decidido celebrar este importante cincuentenario. Sin embargo, existen algunas excepciones a ese incómodo silencio, y en este ciclo de Ars Sonora nos detendremos en dos de ellas. Por un lado, la página web desarrollada por el Museo Reina Sofía (Madrid) dentro del "archivo oral" de su propio espacio en Internet, donde se han recopilado, y puesto a disposición del público, una serie de grabaciones audiovisuales con entrevistas realizadas por José Díaz Cuyás y Carmen Pardo a los organizadores y algunos artistas participantes en los encuentros: Javier Aguirre, José Luis Alexanco, Sylvano Bussotti, Nacho Criado, Luis de Pablo, Esther Ferrer, Ignacio Gómez de Liaño, Juan Hidalgo, Juan Huarte, Andrés Lewin-Richter, Simón Marchán Fiz, Josep Maria Mestres Quadreny, Dennis Oppenheim, Pere Portabella, Eduardo Polonio, Francesc Torres, Horacio Vaggione e Isidoro Valcárcel Medina. Por otro lado, el Gobierno de Navarra ha celebrado en Pamplona, entre el 6 y el 18 de octubre de 2022, un evento titulado "Encuentros de Pamplona 72-22", con el músico, poeta y ensayista Ramón Andrés como director artístico de lo que se presentaba como un "Encuentro internacional de cultura, arte y pensamiento".  Estos diferentes elementos se unen, en nuestro análisis, con los argumentos presentados por el historiador del arte y comisario Iván López Munuera en su tesis doctoral "Los encuentros de Pamplona (1972) como laboratorio de la democracia", dirigida por la profesora Estrella de Diego. Todo ello nos servirá, en esta serie de emisiones radiofónicas, para recordar, analizar y someter a crítica la herencia de aquel evento que, lejos de un "fin de fiesta", podría considerarse —desde la perspectiva de la creación artística contemporánea— un acto fundacional, dentro del contexto cultural español, para numerosas prácticas creativas hoy vigentes.  En esta duodécima y última emisión del ciclo retoma la palabra Luis de Pablo, en tanto que figura fundamental para la comprensión de cómo surgieron y se desarrollaron los Encuentros de Pamplona… y también de cómo se recibieron por parte de diversos sectores del ámbito artístico y de la sociedad en general. Para conocer esas valoraciones, extremadamente críticas, presentamos algunos extractos sonoros de la película "Solo Luis de Pablo" (2022), dirigida conjuntamente por de Álvaro Oliveros del Castillo y Miguel Álvarez-Fernández, que documenta las conversaciones con el compositor recogidas en el libro el libro "Luis de Pablo: Inventario” (publicado por la editorial Casus Belli en 2020).  La voz de Luis de Pablo se complementa, en este cierre del ciclo, con dos audiciones que reflejan algunos de los planteamientos estéticos del compositor bilbaíno en los momentos inmediatamente anteriores a la celebración de los Encuentros de Pamplona. Por un lado, presentamos diversos extractos de la primera versión de la obra electroacústica "We" (1969-1970). Por otra parte, y para concluir, escuchamos los sonidos de "Soledad interrumpida” (1971). Se trata, esta última, de una composición (descrita como "Espectáculo plástico sonoro realizado con figuras rígidas e hinchables con movimiento por aire comprimido y música electrónica") resultante de la colaboración entre Luis de Pablo y José Luis Alexanco, que sirvió para fraguar unos vínculos entre estos artistas que, unos meses después, asumirían juntos la organización de los Encuentros de Pamplona de 1972. Un evento fundamental cuyo recuerdo —estamos seguros— nos seguirá acompañando mucho, mucho más allá de este cincuentenario que hemos venido celebrando (y, a la vez, reivindicando) a través de este ciclo de Ars Sonora que ahora termina. Escuchar audio

Continuamos el ciclo que estamos dedicando a conmemorar el cincuenta aniversario del que posiblemente constituya el más importante evento, en el ámbito del arte sonoro, que tuvo lugar en España durante la segunda mitad del pasado siglo: los Encuentros de Pamplona de 1972. Estos encuentros, cuya dirección artística corrió a cargo de Luis de Pablo (1930-2021) y José Luis Alexanco (1942-2021), se concibieron como "un certamen internacional de prácticas artísticas contemporáneas", y por tanto su programación no se restringía, ni mucho menos, a la música o al sonido. Sin embargo, las experiencias relacionadas con la escucha gozaron allí de una fundamental presencia, e incluso podría considerarse que cambiaron el devenir del arte sonoro en España durante las siguientes décadas. No han sido muchas, desgraciadamente, las iniciativas culturales surgidas de nuestras instituciones que en estos últimos meses hayan decidido celebrar este importante cincuentenario. Sin embargo, existen algunas excepciones a ese incómodo silencio, y en este ciclo de Ars Sonora nos detendremos en dos de ellas. Por un lado, la página web desarrollada por el Museo Reina Sofía (Madrid) dentro del "archivo oral" de su propio espacio en Internet, donde se han recopilado, y puesto a disposición del público, una serie de grabaciones audiovisuales con entrevistas realizadas por José Díaz Cuyás y Carmen Pardo a los organizadores y algunos artistas participantes en los encuentros: Javier Aguirre, José Luis Alexanco, Sylvano Bussotti, Nacho Criado, Luis de Pablo, Esther Ferrer, Ignacio Gómez de Liaño, Juan Hidalgo, Juan Huarte, Andrés Lewin-Richter, Simón Marchán Fiz, Josep Maria Mestres Quadreny, Dennis Oppenheim, Pere Portabella, Eduardo Polonio, Francesc Torres, Horacio Vaggione e Isidoro Valcárcel Medina. Por otro lado, el Gobierno de Navarra ha celebrado en Pamplona, entre el 6 y el 18 de octubre de 2022, un evento titulado "Encuentros de Pamplona 72-22", con el músico, poeta y ensayista Ramón Andrés como director artístico de lo que se presentaba como un "Encuentro internacional de cultura, arte y pensamiento". Estos diferentes elementos se unen, en nuestro análisis, con los argumentos presentados por el historiador del arte y comisario Iván López Munuera en su tesis doctoral "Los encuentros de Pamplona (1972) como laboratorio de la democracia", dirigida por la profesora Estrella de Diego. Todo ello nos servirá, en esta serie de emisiones radiofónicas, para recordar, analizar y someter a crítica la herencia de aquel evento que, lejos de un "fin de fiesta", podría considerarse —desde la perspectiva de la creación artística contemporánea— un acto fundacional, dentro del contexto cultural español, para numerosas prácticas creativas hoy vigentes. En esta duodécima y última emisión del ciclo retoma la palabra Luis de Pablo, en tanto que figura fundamental para la comprensión de cómo surgieron y se desarrollaron los Encuentros de Pamplona… y también de cómo se recibieron por parte de diversos sectores del ámbito artístico y de la sociedad en general. Para conocer esas valoraciones, extremadamente críticas, presentamos algunos extractos sonoros de la película "Solo Luis de Pablo" (2022), dirigida conjuntamente por de Álvaro Oliveros del Castillo y Miguel Álvarez-Fernández, que documenta las conversaciones con el compositor recogidas en el libro el libro "Luis de Pablo: Inventario” (publicado por la editorial Casus Belli en 2020). La voz de Luis de Pablo se complementa, en este cierre del ciclo, con dos audiciones que reflejan algunos de los planteamientos estéticos del compositor bilbaíno en los momentos inmediatamente anteriores a la celebración de los Encuentros de Pamplona. Por un lado, presentamos diversos extractos de la primera versión de la obra electroacústica "We" (1969-1970). Por otra parte, y para concluir, escuchamos los sonidos de "Soledad interrumpida” (1971). Se trata, esta última, de una composición (descrita como "Espectáculo plástico sonoro realizado con figuras rígidas e hinchables con movimiento por aire comprimido y música electrónica") resultante de la colaboración entre Luis de Pablo y José Luis Alexanco, que sirvió para fraguar unos vínculos entre estos artistas que, unos meses después, asumirían juntos la organización de los Encuentros de Pamplona de 1972. Un evento fundamental cuyo recuerdo —estamos seguros— nos seguirá acompañando mucho, mucho más allá de este cincuentenario que hemos venido celebrando (y, a la vez, reivindicando) a través de este ciclo de Ars Sonora que ahora termina. <a href="https://www.rtve.es/play/audios/ars-sonora/cincuentenario-encuentros-pamplona-1972-xii-24-12-22/6763926/" rel="nofollow" target="_blank">Escuchar audio</a>

Ars sonora - Cincuentenario de los Encuentros de Pamplona 1972 (XII) - 24/12/22

Continuamos el ciclo que estamos dedicando a conmemorar el cincuenta aniversario del que posiblemente constituya el más importante evento, en el ámbito del arte sonoro, que tuvo lugar en España durante la segunda mitad del pasado siglo: los Encuentros de Pamplona de 1972.  Estos encuentros, cuya dirección artística corrió a cargo de Luis de Pablo (1930-2021) y José Luis Alexanco (1942-2021), se concibieron como "un certamen internacional de prácticas artísticas contemporáneas", y por tanto su programación no se restringía, ni mucho menos, a la música o al sonido. Sin embargo, las experiencias relacionadas con la escucha gozaron allí de una fundamental presencia, e incluso podría considerarse que cambiaron el devenir del arte sonoro en España durante las siguientes décadas.  No han sido muchas, desgraciadamente, las iniciativas culturales surgidas de nuestras instituciones que en estos últimos meses hayan decidido celebrar este importante cincuentenario. Sin embargo, existen algunas excepciones a ese incómodo silencio, y en este ciclo de Ars Sonora nos detendremos en dos de ellas. Por un lado, la página web desarrollada por el Museo Reina Sofía (Madrid) dentro del "archivo oral" de su propio espacio en Internet, donde se han recopilado, y puesto a disposición del público, una serie de grabaciones audiovisuales con entrevistas realizadas por José Díaz Cuyás y Carmen Pardo a los organizadores y algunos artistas participantes en los encuentros: Javier Aguirre, José Luis Alexanco, Sylvano Bussotti, Nacho Criado, Luis de Pablo, Esther Ferrer, Ignacio Gómez de Liaño, Juan Hidalgo, Juan Huarte, Andrés Lewin-Richter, Simón Marchán Fiz, Josep Maria Mestres Quadreny, Dennis Oppenheim, Pere Portabella, Eduardo Polonio, Francesc Torres, Horacio Vaggione e Isidoro Valcárcel Medina. Por otro lado, el Gobierno de Navarra ha celebrado en Pamplona, entre el 6 y el 18 de octubre de 2022, un evento titulado "Encuentros de Pamplona 72-22", con el músico, poeta y ensayista Ramón Andrés como director artístico de lo que se presentaba como un "Encuentro internacional de cultura, arte y pensamiento".  Estos diferentes elementos se unen, en nuestro análisis, con los argumentos presentados por el historiador del arte y comisario Iván López Munuera en su tesis doctoral "Los encuentros de Pamplona (1972) como laboratorio de la democracia", dirigida por la profesora Estrella de Diego. Todo ello nos servirá, en esta serie de emisiones radiofónicas, para recordar, analizar y someter a crítica la herencia de aquel evento que, lejos de un "fin de fiesta", podría considerarse —desde la perspectiva de la creación artística contemporánea— un acto fundacional, dentro del contexto cultural español, para numerosas prácticas creativas hoy vigentes.  Dos figuras, bien diferentes entre sí, concentran nuestra atención en esta undécima emisión del ciclo: Isidoro Valcárcel Medina y Luis de Pablo. En cuanto al primero, escuchamos varios fragmentos de la pieza "Motores" (1973), realizada poco después de su participación en los Encuentros de Pamplona. También presentamos varios extractos de la película “No escribiré arte con mayúscula" (dedicada a Valcárcel Medina, y dirigida conjuntamente por Luis Deltell y Miguel Álvarez-Fernández en 2015). En ellos aparecen, por un lado, las declaraciones de Esteban Pujals, José Antonio Sarmiento y José Manuel Costa sobre la mencionada obra "Motores". Por otra parte, escuchamos los pasajes del documental en los que el propio Valcárcel Medina rememora, con enorme sinceridad, su intervención en los Encuentros de Pamplona de 1972.  Respecto a Luis de Pablo, recuperamos varios fragmentos de una reveladora entrevista realizada por Carmen Pardo y José Díaz Cuyás en el año 2004 (un documento perteneciente al archivo oral del MNCARS, dentro del proyecto descrito más arriba). Acompañamos la voz de Luis de Pablo con la escucha de una obra de un compositor coetáneo a él que también participó en los Encuentros de Pamplona, y que también desarrolló buena parte de su poética a través del lenguaje de la música orquestal —si bien de una manera muy diferente a la de De Pablo, como comprobaremos—: Dieter Schnebel, de quien presentamos varios pasajes de la composición "Orchestra. Symphonische Musik für mobile Musiker" (1974-77). Escuchar audio

Continuamos el ciclo que estamos dedicando a conmemorar el cincuenta aniversario del que posiblemente constituya el más importante evento, en el ámbito del arte sonoro, que tuvo lugar en España durante la segunda mitad del pasado siglo: los Encuentros de Pamplona de 1972. Estos encuentros, cuya dirección artística corrió a cargo de Luis de Pablo (1930-2021) y José Luis Alexanco (1942-2021), se concibieron como "un certamen internacional de prácticas artísticas contemporáneas", y por tanto su programación no se restringía, ni mucho menos, a la música o al sonido. Sin embargo, las experiencias relacionadas con la escucha gozaron allí de una fundamental presencia, e incluso podría considerarse que cambiaron el devenir del arte sonoro en España durante las siguientes décadas. No han sido muchas, desgraciadamente, las iniciativas culturales surgidas de nuestras instituciones que en estos últimos meses hayan decidido celebrar este importante cincuentenario. Sin embargo, existen algunas excepciones a ese incómodo silencio, y en este ciclo de Ars Sonora nos detendremos en dos de ellas. Por un lado, la página web desarrollada por el Museo Reina Sofía (Madrid) dentro del "archivo oral" de su propio espacio en Internet, donde se han recopilado, y puesto a disposición del público, una serie de grabaciones audiovisuales con entrevistas realizadas por José Díaz Cuyás y Carmen Pardo a los organizadores y algunos artistas participantes en los encuentros: Javier Aguirre, José Luis Alexanco, Sylvano Bussotti, Nacho Criado, Luis de Pablo, Esther Ferrer, Ignacio Gómez de Liaño, Juan Hidalgo, Juan Huarte, Andrés Lewin-Richter, Simón Marchán Fiz, Josep Maria Mestres Quadreny, Dennis Oppenheim, Pere Portabella, Eduardo Polonio, Francesc Torres, Horacio Vaggione e Isidoro Valcárcel Medina. Por otro lado, el Gobierno de Navarra ha celebrado en Pamplona, entre el 6 y el 18 de octubre de 2022, un evento titulado "Encuentros de Pamplona 72-22", con el músico, poeta y ensayista Ramón Andrés como director artístico de lo que se presentaba como un "Encuentro internacional de cultura, arte y pensamiento". Estos diferentes elementos se unen, en nuestro análisis, con los argumentos presentados por el historiador del arte y comisario Iván López Munuera en su tesis doctoral "Los encuentros de Pamplona (1972) como laboratorio de la democracia", dirigida por la profesora Estrella de Diego. Todo ello nos servirá, en esta serie de emisiones radiofónicas, para recordar, analizar y someter a crítica la herencia de aquel evento que, lejos de un "fin de fiesta", podría considerarse —desde la perspectiva de la creación artística contemporánea— un acto fundacional, dentro del contexto cultural español, para numerosas prácticas creativas hoy vigentes. Dos figuras, bien diferentes entre sí, concentran nuestra atención en esta undécima emisión del ciclo: Isidoro Valcárcel Medina y Luis de Pablo. En cuanto al primero, escuchamos varios fragmentos de la pieza "Motores" (1973), realizada poco después de su participación en los Encuentros de Pamplona. También presentamos varios extractos de la película “No escribiré arte con mayúscula" (dedicada a Valcárcel Medina, y dirigida conjuntamente por Luis Deltell y Miguel Álvarez-Fernández en 2015). En ellos aparecen, por un lado, las declaraciones de Esteban Pujals, José Antonio Sarmiento y José Manuel Costa sobre la mencionada obra "Motores". Por otra parte, escuchamos los pasajes del documental en los que el propio Valcárcel Medina rememora, con enorme sinceridad, su intervención en los Encuentros de Pamplona de 1972. Respecto a Luis de Pablo, recuperamos varios fragmentos de una reveladora entrevista realizada por Carmen Pardo y José Díaz Cuyás en el año 2004 (un documento perteneciente al archivo oral del MNCARS, dentro del proyecto descrito más arriba). Acompañamos la voz de Luis de Pablo con la escucha de una obra de un compositor coetáneo a él que también participó en los Encuentros de Pamplona, y que también desarrolló buena parte de su poética a través del lenguaje de la música orquestal —si bien de una manera muy diferente a la de De Pablo, como comprobaremos—: Dieter Schnebel, de quien presentamos varios pasajes de la composición "Orchestra. Symphonische Musik für mobile Musiker" (1974-77). <a href="https://www.rtve.es/play/audios/ars-sonora/cincuentenario-encuentros-pamplona-1972-xi/6759078/" rel="nofollow" target="_blank">Escuchar audio</a>

Ars Sonora - Cincuentenario de los Encuentros de Pamplona 1972 (XI) - 17/12/22

Continuamos el ciclo que estamos dedicando a conmemorar el cincuenta aniversario del que posiblemente constituya el más importante evento, en el ámbito del arte sonoro, que tuvo lugar en España durante la segunda mitad del pasado siglo: los Encuentros de Pamplona de 1972.  Estos encuentros, cuya dirección artística corrió a cargo de Luis de Pablo (1930-2021) y José Luis Alexanco (1942-2021), se concibieron como "un certamen internacional de prácticas artísticas contemporáneas", y por tanto su programación no se restringía, ni mucho menos, a la música o al sonido. Sin embargo, las experiencias relacionadas con la escucha gozaron allí de una fundamental presencia, e incluso podría considerarse que cambiaron el devenir del arte sonoro en España durante las siguientes décadas.  No han sido muchas, desgraciadamente, las iniciativas culturales surgidas de nuestras instituciones que en estos últimos meses hayan decidido celebrar este importante cincuentenario. Sin embargo, existen algunas excepciones a ese incómodo silencio, y en este ciclo de Ars Sonora nos detendremos en dos de ellas. Por un lado, la página web desarrollada por el Museo Reina Sofía (Madrid) dentro del "archivo oral" de su propio espacio en Internet, donde se han recopilado, y puesto a disposición del público, una serie de grabaciones audiovisuales con entrevistas realizadas por José Díaz Cuyás y Carmen Pardo a los organizadores y algunos artistas participantes en los encuentros: Javier Aguirre, José Luis Alexanco, Sylvano Bussotti, Nacho Criado, Luis de Pablo, Esther Ferrer, Ignacio Gómez de Liaño, Juan Hidalgo, Juan Huarte, Andrés Lewin-Richter, Simón Marchán Fiz, Josep Maria Mestres Quadreny, Dennis Oppenheim, Pere Portabella, Eduardo Polonio, Francesc Torres, Horacio Vaggione e Isidoro Valcárcel Medina. Por otro lado, el Gobierno de Navarra ha celebrado en Pamplona, entre el 6 y el 18 de octubre de 2022, un evento titulado "Encuentros de Pamplona 72-22", con el músico, poeta y ensayista Ramón Andrés como director artístico de lo que se presentaba como un "Encuentro internacional de cultura, arte y pensamiento".  Estos diferentes elementos se unen, en nuestro análisis, con los argumentos presentados por el historiador del arte y comisario Iván López Munuera en su tesis doctoral "Los encuentros de Pamplona (1972) como laboratorio de la democracia", dirigida por la profesora Estrella de Diego. Todo ello nos servirá, en esta serie de emisiones radiofónicas, para recordar, analizar y someter a crítica la herencia de aquel evento que, lejos de un "fin de fiesta", podría considerarse —desde la perspectiva de la creación artística contemporánea— un acto fundacional, dentro del contexto cultural español, para numerosas prácticas creativas hoy vigentes.  Llegamos al décimo programa de esta serie de doce emisiones, y continuamos recorriendo ese "Diccionario de los Encuentros" que nos permite rememorar algunas creaciones sonoras desarrolladas en torno al año 1972 por diferentes artistas presentes —de un modo u otro— en el evento celebrado en la capital navarra. Así, escuchamos fragmentos de "La caccia" (1965-1974), de Walter Marchetti; "Da du der bist" (1973), de Franz Mon; "Hommage à Eric Satie" (1976), de Adriano Spatola; "Kids" (1974), de Paul de Vree; y de "Motores" (1973), de Isidoro Valcárcel Medina.  La voz de este último autor también nos acompaña, en la parte final de la emisión, a través de una reveladora entrevista —perteneciente al conjunto mencionado más arriba— realizada por José Díaz Cuyás en el año 2010, misma fecha en la cual este historiador del arte y comisario también conversó acerca de los Encuentros de Pamplona con otra figura esencial del arte conceptual, Francesc Torres. En el inicio del programa escuchamos un extracto de esa entrevista, que ofrece un lúcido y profundo análisis de las complejas implicaciones políticas de los Encuentros de Pamplona, tanto en su relación —anticipatoria hasta el punto de lo profético— con la llamada Transición, como en lo que atañe —de manera muy representativa— a los recalcitrantes ejercicios de desmemoria que tanto dificultan la construcción de un relato coherente sobre la historia reciente de nuestro país. Respecto a esta última cuestión también se incluyen, al final del programa, algunas reflexiones acerca de las “conmemoraciones” del cincuentenario de los Encuentros de Pamplona organizadas en esta ciudad hace unos meses por parte del Gobierno de Navarra.  Escuchar audio

Continuamos el ciclo que estamos dedicando a conmemorar el cincuenta aniversario del que posiblemente constituya el más importante evento, en el ámbito del arte sonoro, que tuvo lugar en España durante la segunda mitad del pasado siglo: los Encuentros de Pamplona de 1972. Estos encuentros, cuya dirección artística corrió a cargo de Luis de Pablo (1930-2021) y José Luis Alexanco (1942-2021), se concibieron como "un certamen internacional de prácticas artísticas contemporáneas", y por tanto su programación no se restringía, ni mucho menos, a la música o al sonido. Sin embargo, las experiencias relacionadas con la escucha gozaron allí de una fundamental presencia, e incluso podría considerarse que cambiaron el devenir del arte sonoro en España durante las siguientes décadas. No han sido muchas, desgraciadamente, las iniciativas culturales surgidas de nuestras instituciones que en estos últimos meses hayan decidido celebrar este importante cincuentenario. Sin embargo, existen algunas excepciones a ese incómodo silencio, y en este ciclo de Ars Sonora nos detendremos en dos de ellas. Por un lado, la página web desarrollada por el Museo Reina Sofía (Madrid) dentro del "archivo oral" de su propio espacio en Internet, donde se han recopilado, y puesto a disposición del público, una serie de grabaciones audiovisuales con entrevistas realizadas por José Díaz Cuyás y Carmen Pardo a los organizadores y algunos artistas participantes en los encuentros: Javier Aguirre, José Luis Alexanco, Sylvano Bussotti, Nacho Criado, Luis de Pablo, Esther Ferrer, Ignacio Gómez de Liaño, Juan Hidalgo, Juan Huarte, Andrés Lewin-Richter, Simón Marchán Fiz, Josep Maria Mestres Quadreny, Dennis Oppenheim, Pere Portabella, Eduardo Polonio, Francesc Torres, Horacio Vaggione e Isidoro Valcárcel Medina. Por otro lado, el Gobierno de Navarra ha celebrado en Pamplona, entre el 6 y el 18 de octubre de 2022, un evento titulado "Encuentros de Pamplona 72-22", con el músico, poeta y ensayista Ramón Andrés como director artístico de lo que se presentaba como un "Encuentro internacional de cultura, arte y pensamiento". Estos diferentes elementos se unen, en nuestro análisis, con los argumentos presentados por el historiador del arte y comisario Iván López Munuera en su tesis doctoral "Los encuentros de Pamplona (1972) como laboratorio de la democracia", dirigida por la profesora Estrella de Diego. Todo ello nos servirá, en esta serie de emisiones radiofónicas, para recordar, analizar y someter a crítica la herencia de aquel evento que, lejos de un "fin de fiesta", podría considerarse —desde la perspectiva de la creación artística contemporánea— un acto fundacional, dentro del contexto cultural español, para numerosas prácticas creativas hoy vigentes. Llegamos al décimo programa de esta serie de doce emisiones, y continuamos recorriendo ese "Diccionario de los Encuentros" que nos permite rememorar algunas creaciones sonoras desarrolladas en torno al año 1972 por diferentes artistas presentes —de un modo u otro— en el evento celebrado en la capital navarra. Así, escuchamos fragmentos de "La caccia" (1965-1974), de Walter Marchetti; "Da du der bist" (1973), de Franz Mon; "Hommage à Eric Satie" (1976), de Adriano Spatola; "Kids" (1974), de Paul de Vree; y de "Motores" (1973), de Isidoro Valcárcel Medina. La voz de este último autor también nos acompaña, en la parte final de la emisión, a través de una reveladora entrevista —perteneciente al conjunto mencionado más arriba— realizada por José Díaz Cuyás en el año 2010, misma fecha en la cual este historiador del arte y comisario también conversó acerca de los Encuentros de Pamplona con otra figura esencial del arte conceptual, Francesc Torres. En el inicio del programa escuchamos un extracto de esa entrevista, que ofrece un lúcido y profundo análisis de las complejas implicaciones políticas de los Encuentros de Pamplona, tanto en su relación —anticipatoria hasta el punto de lo profético— con la llamada Transición, como en lo que atañe —de manera muy representativa— a los recalcitrantes ejercicios de desmemoria que tanto dificultan la construcción de un relato coherente sobre la historia reciente de nuestro país. Respecto a esta última cuestión también se incluyen, al final del programa, algunas reflexiones acerca de las “conmemoraciones” del cincuentenario de los Encuentros de Pamplona organizadas en esta ciudad hace unos meses por parte del Gobierno de Navarra. <a href="https://www.rtve.es/play/audios/ars-sonora/cincuentenario-encuentros-pamplona-1972/6754025/" rel="nofollow" target="_blank">Escuchar audio</a>

Ars Sonora - Cincuentenario de los Encuentros de Pamplona 1972 (X) - 10/12/22

Continuamos el ciclo que estamos dedicando a conmemorar el cincuenta aniversario del que posiblemente constituya el más importante evento, en el ámbito del arte sonoro, que tuvo lugar en España durante la segunda mitad del pasado siglo: los Encuentros de Pamplona de 1972.  Estos encuentros, cuya dirección artística corrió a cargo de Luis de Pablo (1930-2021) y José Luis Alexanco (1942-2021), se concibieron como "un certamen internacional de prácticas artísticas contemporáneas", y por tanto su programación no se restringía, ni mucho menos, a la música o al sonido. Sin embargo, las experiencias relacionadas con la escucha gozaron allí de una fundamental presencia, e incluso podría considerarse que cambiaron el devenir del arte sonoro en España durante las siguientes décadas.  No han sido muchas, desgraciadamente, las iniciativas culturales surgidas de nuestras instituciones que en estos últimos meses hayan decidido celebrar este importante cincuentenario. Sin embargo, existen algunas excepciones a ese incómodo silencio, y en este ciclo de Ars Sonora nos detendremos en dos de ellas. Por un lado, la página web desarrollada por el Museo Reina Sofía (Madrid) dentro del "archivo oral" de su propio espacio en Internet, donde se han recopilado, y puesto a disposición del público, una serie de grabaciones audiovisuales con entrevistas realizadas por José Díaz Cuyás y Carmen Pardo a los organizadores y algunos artistas participantes en los encuentros: Javier Aguirre, José Luis Alexanco, Sylvano Bussotti, Nacho Criado, Luis de Pablo, Esther Ferrer, Ignacio Gómez de Liaño, Juan Hidalgo, Juan Huarte, Andrés Lewin-Richter, Simón Marchán Fiz, Josep Maria Mestres Quadreny, Dennis Oppenheim, Pere Portabella, Eduardo Polonio, Francesc Torres, Horacio Vaggione e Isidoro Valcárcel Medina. Por otro lado, el Gobierno de Navarra ha celebrado en Pamplona, entre el 6 y el 18 de octubre de 2022, un evento titulado "Encuentros de Pamplona 72-22", con el músico, poeta y ensayista Ramón Andrés como director artístico de lo que se presentaba como un "Encuentro internacional de cultura, arte y pensamiento".  Estos diferentes elementos se unen, en nuestro análisis, con los argumentos presentados por el historiador del arte y comisario Iván López Munuera en su tesis doctoral "Los encuentros de Pamplona (1972) como laboratorio de la democracia", dirigida por la profesora Estrella de Diego. Todo ello nos servirá, en esta serie de emisiones radiofónicas, para recordar, analizar y someter a crítica la herencia de aquel evento que, lejos de un "fin de fiesta", podría considerarse —desde la perspectiva de la creación artística contemporánea— un acto fundacional, dentro del contexto cultural español, para numerosas prácticas creativas hoy vigentes.  En este noveno episodio de la serie, nuestro "Diccionario de los Encuentros" amplía el apartado correspondiente a la letra "K" retomando la audición —presentada fragmentariamente al final del capítulo anterior del ciclo— de la obra de Mauricio Kagel titulada "Exótica" (1972), que comentamos a partir de la monografía dedicada al compositor argentino publicada por Llorenç Barber en 1987 en la editorial del Círculo de Bellas Artes de Madrid. Al final de esta novena emisión escuchamos un extracto de la pieza "Campaign '72" (1974) de Ferdinand Kriwet, cuya música también estuvo presente en los Encuentros de Pamplona, al igual que la de Richard Kostelanetz, de quien igualmente ofrecemos dos trabajos: "No, I'm Richard Kostelanetz" (1973) e "Invocations" (1983).  El apartado de audiciones musicales se completa ‎con composiciones de dos autores cuyos apellidos nos trasladan a la letra "L" del alfabeto pamplonés que nos está sirviendo como guía: Joan LaBarbara, de quien recordamos su "Voice Piece: One-Note Internal Resonance Investigation" (1974), y Arrigo Lora-Totino, que nos acompaña a través de dos poemas sonoros: "Musica Liquida" (1968) e "Intonazioni (Se Si)" (1974).  Junto a todo ello escuchamos la voz de otro de los indiscutibles protagonistas de los Encuentros de Pamplona de 1972 —y, en realidad, de cualquier posible crónica de la evolución del arte sonoro en nuestro país—, el pionero de las esculturas sonoras Luis García Núñez, LUGAN (1929-2021). Recuperamos de los archivos de nuestro propio programa —en concreto de la emisión del 26 de febrero de 2011— un pasaje de la entrevista realizada a LUGAN por el artista sonoro Ferrer-Molina donde se rememora la ya legendaria intervención del creador madrileño en la capital navarra. Un trabajo precursor, y muy significativo (no solamente desde una perspectiva histórica), que sin embargo fue objeto de inoportunas descalificaciones por parte de Ramón Andrés —organizador de los actos conmemorativos del cincuentenario de los Encuentros de Pamplona el pasado mes de octubre— en una entrevista para el diario Público que asimismo recordamos en nuestro programa, y en la cual el músico navarro también comenta sus deseos de “apuntalar la cultura” (aunque quizá hubiese resultado más exacto emplear, en esa frase, el verbo “apuntillar”). Escuchar audio

Continuamos el ciclo que estamos dedicando a conmemorar el cincuenta aniversario del que posiblemente constituya el más importante evento, en el ámbito del arte sonoro, que tuvo lugar en España durante la segunda mitad del pasado siglo: los Encuentros de Pamplona de 1972. Estos encuentros, cuya dirección artística corrió a cargo de Luis de Pablo (1930-2021) y José Luis Alexanco (1942-2021), se concibieron como "un certamen internacional de prácticas artísticas contemporáneas", y por tanto su programación no se restringía, ni mucho menos, a la música o al sonido. Sin embargo, las experiencias relacionadas con la escucha gozaron allí de una fundamental presencia, e incluso podría considerarse que cambiaron el devenir del arte sonoro en España durante las siguientes décadas. No han sido muchas, desgraciadamente, las iniciativas culturales surgidas de nuestras instituciones que en estos últimos meses hayan decidido celebrar este importante cincuentenario. Sin embargo, existen algunas excepciones a ese incómodo silencio, y en este ciclo de Ars Sonora nos detendremos en dos de ellas. Por un lado, la página web desarrollada por el Museo Reina Sofía (Madrid) dentro del "archivo oral" de su propio espacio en Internet, donde se han recopilado, y puesto a disposición del público, una serie de grabaciones audiovisuales con entrevistas realizadas por José Díaz Cuyás y Carmen Pardo a los organizadores y algunos artistas participantes en los encuentros: Javier Aguirre, José Luis Alexanco, Sylvano Bussotti, Nacho Criado, Luis de Pablo, Esther Ferrer, Ignacio Gómez de Liaño, Juan Hidalgo, Juan Huarte, Andrés Lewin-Richter, Simón Marchán Fiz, Josep Maria Mestres Quadreny, Dennis Oppenheim, Pere Portabella, Eduardo Polonio, Francesc Torres, Horacio Vaggione e Isidoro Valcárcel Medina. Por otro lado, el Gobierno de Navarra ha celebrado en Pamplona, entre el 6 y el 18 de octubre de 2022, un evento titulado "Encuentros de Pamplona 72-22", con el músico, poeta y ensayista Ramón Andrés como director artístico de lo que se presentaba como un "Encuentro internacional de cultura, arte y pensamiento". Estos diferentes elementos se unen, en nuestro análisis, con los argumentos presentados por el historiador del arte y comisario Iván López Munuera en su tesis doctoral "Los encuentros de Pamplona (1972) como laboratorio de la democracia", dirigida por la profesora Estrella de Diego. Todo ello nos servirá, en esta serie de emisiones radiofónicas, para recordar, analizar y someter a crítica la herencia de aquel evento que, lejos de un "fin de fiesta", podría considerarse —desde la perspectiva de la creación artística contemporánea— un acto fundacional, dentro del contexto cultural español, para numerosas prácticas creativas hoy vigentes. En este noveno episodio de la serie, nuestro "Diccionario de los Encuentros" amplía el apartado correspondiente a la letra "K" retomando la audición —presentada fragmentariamente al final del capítulo anterior del ciclo— de la obra de Mauricio Kagel titulada "Exótica" (1972), que comentamos a partir de la monografía dedicada al compositor argentino publicada por Llorenç Barber en 1987 en la editorial del Círculo de Bellas Artes de Madrid. Al final de esta novena emisión escuchamos un extracto de la pieza "Campaign '72" (1974) de Ferdinand Kriwet, cuya música también estuvo presente en los Encuentros de Pamplona, al igual que la de Richard Kostelanetz, de quien igualmente ofrecemos dos trabajos: "No, I'm Richard Kostelanetz" (1973) e "Invocations" (1983). El apartado de audiciones musicales se completa ‎con composiciones de dos autores cuyos apellidos nos trasladan a la letra "L" del alfabeto pamplonés que nos está sirviendo como guía: Joan LaBarbara, de quien recordamos su "Voice Piece: One-Note Internal Resonance Investigation" (1974), y Arrigo Lora-Totino, que nos acompaña a través de dos poemas sonoros: "Musica Liquida" (1968) e "Intonazioni (Se Si)" (1974). Junto a todo ello escuchamos la voz de otro de los indiscutibles protagonistas de los Encuentros de Pamplona de 1972 —y, en realidad, de cualquier posible crónica de la evolución del arte sonoro en nuestro país—, el pionero de las esculturas sonoras Luis García Núñez, LUGAN (1929-2021). Recuperamos de los archivos de nuestro propio programa —en concreto de la emisión del 26 de febrero de 2011— un pasaje de la entrevista realizada a LUGAN por el artista sonoro Ferrer-Molina donde se rememora la ya legendaria intervención del creador madrileño en la capital navarra. Un trabajo precursor, y muy significativo (no solamente desde una perspectiva histórica), que sin embargo fue objeto de inoportunas descalificaciones por parte de Ramón Andrés —organizador de los actos conmemorativos del cincuentenario de los Encuentros de Pamplona el pasado mes de octubre— en una entrevista para el diario Público que asimismo recordamos en nuestro programa, y en la cual el músico navarro también comenta sus deseos de “apuntalar la cultura” (aunque quizá hubiese resultado más exacto emplear, en esa frase, el verbo “apuntillar”). <a href="https://www.rtve.es/play/audios/ars-sonora/cincuentenario-encuentros-pamplona-1972-ix-03-12-22/6750048/" rel="nofollow" target="_blank">Escuchar audio</a>

Ars sonora - Cincuentenario de los Encuentros de Pamplona 1972 (IX) - 03/12/22

Continuamos el ciclo que estamos dedicando a conmemorar el cincuenta aniversario del que posiblemente constituya el más importante evento, en el ámbito del arte sonoro, que tuvo lugar en España durante la segunda mitad del pasado siglo: los Encuentros de Pamplona de 1972.  Estos encuentros, cuya dirección artística corrió a cargo de Luis de Pablo (1930-2021) y José Luis Alexanco (1942-2021), se concibieron como "un certamen internacional de prácticas artísticas contemporáneas", y por tanto su programación no se restringía, ni mucho menos, a la música o al sonido. Sin embargo, las experiencias relacionadas con la escucha gozaron allí de una fundamental presencia, e incluso podría considerarse que cambiaron el devenir del arte sonoro en España durante las siguientes décadas.  No han sido muchas, desgraciadamente, las iniciativas culturales surgidas de nuestras instituciones que en estos últimos meses hayan decidido celebrar este importante cincuentenario. Sin embargo, existen algunas excepciones a ese incómodo silencio, y en este ciclo de Ars Sonora nos detendremos en dos de ellas. Por un lado, la página web desarrollada por el Museo Reina Sofía (Madrid) dentro del "archivo oral" de su propio espacio en Internet, donde se han recopilado, y puesto a disposición del público, una serie de grabaciones audiovisuales con entrevistas realizadas por José Díaz Cuyás y Carmen Pardo a los organizadores y algunos artistas participantes en los encuentros: Javier Aguirre, José Luis Alexanco, Sylvano Bussotti, Nacho Criado, Luis de Pablo, Esther Ferrer, Ignacio Gómez de Liaño, Juan Hidalgo, Juan Huarte, Andrés Lewin-Richter, Simón Marchán Fiz, Josep Maria Mestres Quadreny, Dennis Oppenheim, Pere Portabella, Eduardo Polonio, Francesc Torres, Horacio Vaggione e Isidoro Valcárcel Medina. Por otro lado, el Gobierno de Navarra ha celebrado en Pamplona, entre el 6 y el 18 de octubre de 2022, un evento titulado "Encuentros de Pamplona 72-22", con el músico, poeta y ensayista Ramón Andrés como director artístico de lo que se presentaba como un "Encuentro internacional de cultura, arte y pensamiento".  Estos diferentes elementos se unen, en nuestro análisis, con los argumentos presentados por el historiador del arte y comisario Iván López Munuera en su tesis doctoral "Los encuentros de Pamplona (1972) como laboratorio de la democracia", dirigida por la profesora Estrella de Diego. Todo ello nos servirá, en esta serie de emisiones radiofónicas, para recordar, analizar y someter a crítica la herencia de aquel evento que, lejos de un "fin de fiesta", podría considerarse —desde la perspectiva de la creación artística contemporánea— un acto fundacional, dentro del contexto cultural español, para numerosas prácticas creativas hoy vigentes.  Llegados al octavo capítulo del ciclo, nuestro "Diccionario de los Encuentros" concluye el apartado correspondiente a la letra "H" con la audición de la pieza titulada "Aran" (1973), de Christopher Hobbs. Hacia el final del programa saltaremos hasta la letra "K", presentando un fragmento de una obra compuesta en 1972 por Mauricio Kagel, "Exótica".  Entre esas dos piezas escuchamos sendas entrevistas, realizadas por la musicóloga Carmen Pardo como parte del proyecto antes mencionado, a Andrés Lewin-Richter y a Josep Maria Mestres Quadreny, dos compositores que participaron en los Encuentros de Pamplona. Acompañamos sus respectivas declaraciones de algunos extractos de "Secuencia I" (1972), de Lewin-Richter, y de "El teler de Teresa Codina" (1973), de Mestres Quadreny. Escuchar audio

Continuamos el ciclo que estamos dedicando a conmemorar el cincuenta aniversario del que posiblemente constituya el más importante evento, en el ámbito del arte sonoro, que tuvo lugar en España durante la segunda mitad del pasado siglo: los Encuentros de Pamplona de 1972. Estos encuentros, cuya dirección artística corrió a cargo de Luis de Pablo (1930-2021) y José Luis Alexanco (1942-2021), se concibieron como "un certamen internacional de prácticas artísticas contemporáneas", y por tanto su programación no se restringía, ni mucho menos, a la música o al sonido. Sin embargo, las experiencias relacionadas con la escucha gozaron allí de una fundamental presencia, e incluso podría considerarse que cambiaron el devenir del arte sonoro en España durante las siguientes décadas. No han sido muchas, desgraciadamente, las iniciativas culturales surgidas de nuestras instituciones que en estos últimos meses hayan decidido celebrar este importante cincuentenario. Sin embargo, existen algunas excepciones a ese incómodo silencio, y en este ciclo de Ars Sonora nos detendremos en dos de ellas. Por un lado, la página web desarrollada por el Museo Reina Sofía (Madrid) dentro del "archivo oral" de su propio espacio en Internet, donde se han recopilado, y puesto a disposición del público, una serie de grabaciones audiovisuales con entrevistas realizadas por José Díaz Cuyás y Carmen Pardo a los organizadores y algunos artistas participantes en los encuentros: Javier Aguirre, José Luis Alexanco, Sylvano Bussotti, Nacho Criado, Luis de Pablo, Esther Ferrer, Ignacio Gómez de Liaño, Juan Hidalgo, Juan Huarte, Andrés Lewin-Richter, Simón Marchán Fiz, Josep Maria Mestres Quadreny, Dennis Oppenheim, Pere Portabella, Eduardo Polonio, Francesc Torres, Horacio Vaggione e Isidoro Valcárcel Medina. Por otro lado, el Gobierno de Navarra ha celebrado en Pamplona, entre el 6 y el 18 de octubre de 2022, un evento titulado "Encuentros de Pamplona 72-22", con el músico, poeta y ensayista Ramón Andrés como director artístico de lo que se presentaba como un "Encuentro internacional de cultura, arte y pensamiento". Estos diferentes elementos se unen, en nuestro análisis, con los argumentos presentados por el historiador del arte y comisario Iván López Munuera en su tesis doctoral "Los encuentros de Pamplona (1972) como laboratorio de la democracia", dirigida por la profesora Estrella de Diego. Todo ello nos servirá, en esta serie de emisiones radiofónicas, para recordar, analizar y someter a crítica la herencia de aquel evento que, lejos de un "fin de fiesta", podría considerarse —desde la perspectiva de la creación artística contemporánea— un acto fundacional, dentro del contexto cultural español, para numerosas prácticas creativas hoy vigentes. Llegados al octavo capítulo del ciclo, nuestro "Diccionario de los Encuentros" concluye el apartado correspondiente a la letra "H" con la audición de la pieza titulada "Aran" (1973), de Christopher Hobbs. Hacia el final del programa saltaremos hasta la letra "K", presentando un fragmento de una obra compuesta en 1972 por Mauricio Kagel, "Exótica". Entre esas dos piezas escuchamos sendas entrevistas, realizadas por la musicóloga Carmen Pardo como parte del proyecto antes mencionado, a Andrés Lewin-Richter y a Josep Maria Mestres Quadreny, dos compositores que participaron en los Encuentros de Pamplona. Acompañamos sus respectivas declaraciones de algunos extractos de "Secuencia I" (1972), de Lewin-Richter, y de "El teler de Teresa Codina" (1973), de Mestres Quadreny. <a href="https://www.rtve.es/play/audios/ars-sonora/cincuentenario-encuentros-pamplona-1972-viii-26-11-22/6744858/" rel="nofollow" target="_blank">Escuchar audio</a>

Ars sonora - Cincuentenario de los Encuentros de Pamplona 1972 (VIII) - 26/11/22

Continuamos el ciclo que estamos dedicando a conmemorar el cincuenta aniversario del que posiblemente constituya el más importante evento, en el ámbito del arte sonoro, que tuvo lugar en España durante la segunda mitad del pasado siglo: los Encuentros de Pamplona de 1972.  Estos encuentros, cuya dirección artística corrió a cargo de Luis de Pablo (1930-2021) y José Luis Alexanco (1942-2021), se concibieron como "un certamen internacional de prácticas artísticas contemporáneas", y por tanto su programación no se restringía, ni mucho menos, a la música o al sonido. Sin embargo, las experiencias relacionadas con la escucha gozaron allí de una fundamental presencia, e incluso podría considerarse que cambiaron el devenir del arte sonoro en España durante las siguientes décadas.  No han sido muchas, desgraciadamente, las iniciativas culturales surgidas de nuestras instituciones que en estos últimos meses hayan decidido celebrar este importante cincuentenario. Sin embargo, existen algunas excepciones a ese incómodo silencio, y en este ciclo de Ars Sonora nos detendremos en dos de ellas. Por un lado, la página web desarrollada por el Museo Reina Sofía (Madrid) dentro del "archivo oral" de su propio espacio en Internet, donde se han recopilado, y puesto a disposición del público, una serie de grabaciones audiovisuales con entrevistas realizadas por José Díaz Cuyás y Carmen Pardo a los organizadores y algunos artistas participantes en los encuentros: Javier Aguirre, José Luis Alexanco, Sylvano Bussotti, Nacho Criado, Luis de Pablo, Esther Ferrer, Ignacio Gómez de Liaño, Juan Hidalgo, Juan Huarte, Andrés Lewin-Richter, Simón Marchán Fiz, Josep Maria Mestres Quadreny, Dennis Oppenheim, Pere Portabella, Eduardo Polonio, Francesc Torres, Horacio Vaggione e Isidoro Valcárcel Medina. Por otro lado, el Gobierno de Navarra ha celebrado en Pamplona, entre el 6 y el 18 de octubre de 2022, un evento titulado "Encuentros de Pamplona 72-22", con el músico, poeta y ensayista Ramón Andrés como director artístico de lo que se presentaba como un "Encuentro internacional de cultura, arte y pensamiento".  Estos diferentes elementos se unen, en nuestro análisis, con los argumentos presentados por el historiador del arte y comisario Iván López Munuera en su tesis doctoral "Los encuentros de Pamplona (1972) como laboratorio de la democracia", dirigida por la profesora Estrella de Diego. Todo ello nos servirá, en esta serie de emisiones radiofónicas, para recordar, analizar y someter a crítica la herencia de aquel evento que, lejos de un "fin de fiesta", podría considerarse —desde la perspectiva de la creación artística contemporánea— un acto fundacional, dentro del contexto cultural español, para numerosas prácticas creativas hoy vigentes.  En este séptimo episodio de la serie nuestro "Diccionario de los Encuentros" retoma momentáneamente la letra "G" —para escuchar la obra "Visitations" (1973), de John Gibson—, pero avanza después hasta la "H", con la audición de "Tamarán (gotas de esperma para doce pianos de cola)" (1974), de Juan Hidalgo, y de la composición electroacústica "Aion" (1972), del compositor alemán Nicolaus A. Huber.  Diversos fragmentos de estas piezas se intercalan con extractos de sendas entrevistas —realizadas, respectivamente, por Carmen Pardo y José Díaz Cuyás como parte del proyecto descrito más arriba— al propio Juan Hidalgo y al empresario y mecenas Juan Huarte. También recordamos un artículo periodístico de Alicia Ezker publicado en 1997 por el Diario de Noticias de Navarra con motivo del veinticinco aniversario de los Encuentros de Pamplona —una lectura que nos invita a preguntarnos si aquella conmemoración no tuvo mayor trascendencia y profundidad que la del cincuentenario presuntamente celebrado en 2022—. Escuchar audio

Continuamos el ciclo que estamos dedicando a conmemorar el cincuenta aniversario del que posiblemente constituya el más importante evento, en el ámbito del arte sonoro, que tuvo lugar en España durante la segunda mitad del pasado siglo: los Encuentros de Pamplona de 1972. Estos encuentros, cuya dirección artística corrió a cargo de Luis de Pablo (1930-2021) y José Luis Alexanco (1942-2021), se concibieron como "un certamen internacional de prácticas artísticas contemporáneas", y por tanto su programación no se restringía, ni mucho menos, a la música o al sonido. Sin embargo, las experiencias relacionadas con la escucha gozaron allí de una fundamental presencia, e incluso podría considerarse que cambiaron el devenir del arte sonoro en España durante las siguientes décadas. No han sido muchas, desgraciadamente, las iniciativas culturales surgidas de nuestras instituciones que en estos últimos meses hayan decidido celebrar este importante cincuentenario. Sin embargo, existen algunas excepciones a ese incómodo silencio, y en este ciclo de Ars Sonora nos detendremos en dos de ellas. Por un lado, la página web desarrollada por el Museo Reina Sofía (Madrid) dentro del "archivo oral" de su propio espacio en Internet, donde se han recopilado, y puesto a disposición del público, una serie de grabaciones audiovisuales con entrevistas realizadas por José Díaz Cuyás y Carmen Pardo a los organizadores y algunos artistas participantes en los encuentros: Javier Aguirre, José Luis Alexanco, Sylvano Bussotti, Nacho Criado, Luis de Pablo, Esther Ferrer, Ignacio Gómez de Liaño, Juan Hidalgo, Juan Huarte, Andrés Lewin-Richter, Simón Marchán Fiz, Josep Maria Mestres Quadreny, Dennis Oppenheim, Pere Portabella, Eduardo Polonio, Francesc Torres, Horacio Vaggione e Isidoro Valcárcel Medina. Por otro lado, el Gobierno de Navarra ha celebrado en Pamplona, entre el 6 y el 18 de octubre de 2022, un evento titulado "Encuentros de Pamplona 72-22", con el músico, poeta y ensayista Ramón Andrés como director artístico de lo que se presentaba como un "Encuentro internacional de cultura, arte y pensamiento". Estos diferentes elementos se unen, en nuestro análisis, con los argumentos presentados por el historiador del arte y comisario Iván López Munuera en su tesis doctoral "Los encuentros de Pamplona (1972) como laboratorio de la democracia", dirigida por la profesora Estrella de Diego. Todo ello nos servirá, en esta serie de emisiones radiofónicas, para recordar, analizar y someter a crítica la herencia de aquel evento que, lejos de un "fin de fiesta", podría considerarse —desde la perspectiva de la creación artística contemporánea— un acto fundacional, dentro del contexto cultural español, para numerosas prácticas creativas hoy vigentes. En este séptimo episodio de la serie nuestro "Diccionario de los Encuentros" retoma momentáneamente la letra "G" —para escuchar la obra "Visitations" (1973), de John Gibson—, pero avanza después hasta la "H", con la audición de "Tamarán (gotas de esperma para doce pianos de cola)" (1974), de Juan Hidalgo, y de la composición electroacústica "Aion" (1972), del compositor alemán Nicolaus A. Huber. Diversos fragmentos de estas piezas se intercalan con extractos de sendas entrevistas —realizadas, respectivamente, por Carmen Pardo y José Díaz Cuyás como parte del proyecto descrito más arriba— al propio Juan Hidalgo y al empresario y mecenas Juan Huarte. También recordamos un artículo periodístico de Alicia Ezker publicado en 1997 por el Diario de Noticias de Navarra con motivo del veinticinco aniversario de los Encuentros de Pamplona —una lectura que nos invita a preguntarnos si aquella conmemoración no tuvo mayor trascendencia y profundidad que la del cincuentenario presuntamente celebrado en 2022—. <a href="https://www.rtve.es/play/audios/ars-sonora/cincuentenario-encuentros-pamplona-1972-vii-19-11-22/6739776/" rel="nofollow" target="_blank">Escuchar audio</a>

Ars sonora - Cincuentenario de los Encuentros de Pamplona 1972 (VII) - 19/11/22

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